La tormenta de Strindberg

De tirititeros y escenarios

2011-05-02T20:19:00.003+02:00

Organizado por la ICAS y en su XXXI edición del 13 al 22 de mayo de 2011, La Feria Internacional del Títere de Sevilla se desarrollará en la Sala teatro Cero, Teatro Alameda, Teatro TNT y Sala Fli y, para los adultos, los títeres serán en La Fundición.
Un total de 40 funciones de 19 compañías nacionales e internacionales se darán cita, lo que hace esperar una gran afluencia de público como viene siendo habitual en este festival. También habrá una exposición de estructuras musicales en la Alameda, y en este mismo lugar se celebrará el mercadillo de Unima-Andalucía.
Las entradas tendrán un precio de cuatro euros para niños, y de siete euros para los adultos, mientras que las funciones de títeres para adultos en La Fundición costarán 10 euros.

Programación

De nuevo la Universitas Onubensis

2011-04-18T11:04:00.006+02:00

Como viene siendo habitual por estas fechas, el Área de Promoción Cultural de la Universidad de Huelva, de la mano del Gran Teatro y la Concejalía de Cultura, organiza nuevamente el más que asentado y habitual Festival de Teatro Universitario de la capital onubense. En esta ocasión, las propuestas van de la danza a la comedia pasando por una interesante propuesta del grupo de teatro del Aula de la Experiencia de la UHU.

Las entradas tienen un precio único de cuatro euros y todas las funciones serán en el Gran Teatro a las 21 horas.

Programa:

Martes 26 de abril - La Jaula Teatro: “Entiendemetuamí” de Eloy Arenas.Precio: 6 € Entrada única

Miércoles 27 de abril - Cuatro Gatos Teatro: “La señora del tercero puerta uno” de Pablo Canela.

Martes 17 de mayo - Grupo de teatro del Aula de la Experiencia de la Universidad de Huelva: “Cabaret de traición” de Darío Martín.

Miércoles 18 de mayo - Aula de Danza Contemporánea de la Universidad de Jaén: “Esbozos” de Alberto Huetos.

Azcona y la burbuja inmobiliaria

2011-04-12T16:41:00.026+02:00

Feliz pareja de novios, quince años juntos y residentes en Madrid buscan piso. No es un perfil ni un anuncio por palabras nada extraño ni atemporal pero nadie como el genial Azcona tenía en su mano el secreto de la comedia inteligente y voraz basada en personas de carne y hueso que afrontan la vida con humor (negro). Esto es El Pisito, espectáculo basado en el guión que Rafael Azcona creara para el cine, una de las piezas clave de la comedia grotesca, realista y esperpéntica de la España de los 50s.

Rodolfo y Petrita, ante la desesperación de un larguísimo noviazgo que nunca culminará en matrimonio, deciden dejarse llevar por el plan que les propone el jefe de éste que, retorcido como pocos, consiste en casarse con la anciana de 87 años que regenta una pensión cercana a su oficina para, una vez muera y Rodolfo enviude, pueda casarse en segundas nupcias con su Petra y vivir juntos en tan idílico nidito de amor.

Esta versión está producida por Juanjo Seoane y basada en la adaptación del texto de Azcona por parte del propio Seoane junto con Fernando Sánchez. Cuenta con un reparto de caras conocidísimas de la talla de Pepe Viyuela, Teté Delgado, Asunción Balaguer, Manuel Millán, María Felices, Diego Pizarro, Jorge Merino y José María Álvarez, bajo la dirección de Pedro Olea.

La obra es el montaje número cien de Seoane como productor y dicha celebración, sumada al elenco actoral y la dirección, hace de El Pisito una buena cita para los amantes de la comedia en las tablas.

El Pisito está de gira intermitentemente desde agosto de 2009 y en esta ocasión hará una parada en el Teatro Cervantes de Málaga los 12 y 13 de mayo de 2011.

Vídeo

Madrid sufre insomnio teatral

2011-03-23T15:27:00.011+01:00

El próximo sábado 26 de Marzo de 2011 tendrá lugar en la capital la V edición de La Noche de los Teatros, iniciativa cultural de La Comunidad de Madrid en la que un amplísimo número de actividades, desde teatro a danza o conciertos, serán gratuítas o a un precio muy reducido. Un total de 132 espacios que acogeran 176 actividades entre las que caben destacar los 81 teatros y salas a lo largo y ancho de la Comunidad.
Ocho horas para todos, ocho horas para dejarse llevar por la cultura, ocho horas para vivir el teatro.

Programación completa.

El encanto del Teatro de la Crueldad

2011-03-01T15:40:00.021+01:00

Tener pánico a la soledad y el desamor es una clase de terror bastante común pero llegar a tratarlo bajo el humor negro no lo es tanto. Norma Martínez, Graciela Paola, Leonardo Torres Vilar y Manuel Gold dan vida a esta fascinante problemática en La reina de la belleza de Leenane, obra original del dramaturgo irlandés Martin McDonagh que creó cuando contaba con tan sólo 25 años de edad, muy premiada y conocida por los críticos y aficionados en lengua inglesa.

La trama tiene lugar en una pequeña población irlandesa llamada Leenale donde la protagonista, Maureen Folan, vive a sus cuarenta y tantos años aún con su madre, sin realmente soportarse mutuamente desde hace demasiado tiempo. Pero es la llegada de los hermanos Pato y Ray Dooley, y sobre todo la incipiente relación de la protagonista y el primero de estos hombres, lo que hará temblar los frágiles cimientos en los que se sustentaba aquella extraña relación madre e hija.

La reina de la belleza de Leenane es uno de los mejores exponentes de finales del siglo XX del denominado ‘Teatro de la crueldad’, definido como tal por primera vez en 1932 por Antonin Artaud, un tipo de dramaturgia que lleva tanto al actor como al espectador al límite, buscando la agitación de las masas y aumentando progresivamente la angustia que provoca lo que la obra narra, en este caso la relación amor-odio de los dos principales papeles femeninos. Es el teatro que se mueve entre el thriller psicológico y la comedia negra, aunque siempre centrado en personajes actuales y más que reconocibles, en este caso los de una pequeña población rural cualquiera a finales de los 80s.

The Beauty Queen of Leenane fue llevaba a las tablas por primera vez en 1996, impactando a muchos por la crudeza del texto y sobre todo el giro final de la trama, no menos sorprendente.
Gloria López Producciones ha querido rescatar esta maravillosa pieza de teatro para centrarse, ante todo, en los límites entre lo brutal y lo tierno, adentrándose en la cotidianeidad de estas mujeres con un lenguaje sencillo y cómodo así como un ritmo sin pretensiones ni rarezas. Son personajes radicales e impulsivos que, bajo la dirección de Ricardo Morán, cobran vida, pero en este caso no solamente las propias sino las del valiente público que sentirá cómo la obra desgarra algo por dentro a todo aquel que la disfruta.

La Reina de la belleza de Leenane estará en el Teatro Felipe Godínez de Moguer el martes 8 de marzo de 2011 a partir de las 20.00 horas y ¡la entrada es gratuita!

El Lope a ritmo de danza

2011-02-22T16:22:00.010+01:00

El teatro Lope de Vega de Sevilla acogerá del 10 al 13 de marzo de 2011 la V edición del Festival Internacional Escena Mobile gracias a la nuevamente estrecha colaboración entre la compañía que da nombre al festival y el reconocido espacio escénico hispalense.
Grupos de danza tanto españoles como de muy diversas nacionalidades se darán de nuevo cita en este joven pero consolidado festival así como talleres y una rica programación paralela.

Programación completa.

¿Volverá Nora a casa?

2011-02-08T11:16:00.024+01:00

Amante de los clásicos contemporáneos, Daniel Veronese, que ya adaptó varios textos de Chejov hace relativamente pocos años, se lanza ahora al universo del noruego Henrik Ibsen.
No es nada nuevo que Henrik Ibsen escandalizó a muchos a finales del XIX cuando a través de Casa de muñecas planteó cómo una mujer podía abandonar su casa y su familia, una libertad inconcebible para la época. Daniel Veronese respeta esta trama como punto de partida, así como los cinco personajes principales de la obra, haciendo intemporal los conflictos familiares en los que nada es lo que parece y donde las falsas apariencias han corrompido el amor se supone debería haber entre todos ellos. Fue el llamado “primer drama feminista”, que no busca tanto la lágrima como la emoción.

Veronese, como Ibsen, hace pensar al espectador, reflexionar sobre cómo la violencia emerge aún cuando queremos evitarla, cómo lo más animal que todos y cada uno de nosotros llevamos dentro tarde o temprano sale a la luz.
¿Cogerá finalmente Nora las llaves de su casa o nunca cruzará esa puerta? Siempre ha sido consciente de que más allá del salón y de esas cuatro paredes la vida no es mucho más fácil ni menos agresiva. Salir de allí es exponerse a nuevas mentiras, humillarse de nuevo ante una sociedad que funciona como la de su pequeño mundo casero: en base a conflictos no resueltos y golpes de toda clase. Pero Veronese no sólo trabaja lo anterior, de hecho se centra más en lo difícil de romper con una pareja de larga trayectoria, en cómo para una mujer aún joven como Nora sus ganas de vivir otra vida, para la que sabe que aún está a tiempo, choca constantemente con su rol social, con su papel de madre y esposa entregada a los demás antes que a ella misma.

El director ya versionó hace unos dos años Hedda Gabler, también de Ibsen, en la que hacía también un trabajo exquisito. Así, con su Casa de Muñecas presenta de nuevo una versión cuidada, minimalista pero rica en detalles interiores. Es un espectáculo íntimo, cercano e intemporal; Muy Veronese, en definitiva.

El desarrollo de una civilización venidera, como él mismo denomina a esta versión de Casa de muñecas, estará en el Lope de Vega de Sevilla del 18 al 20 de febrero de 2011.

Ni de Lilith ni de Eva ni de Adán

2011-02-02T00:07:00.015+01:00

Con el sugerente nombre de Lilith, Adán y Eva o la rebelión del Edén, Síntesis Producciones presenta su nuevo espectáculo, tras el éxito de Las Tres Edades, Náufragos o Pasos, bajo la dirección de Javier Ossorio y basado en el texto de Antonio Hernández Centeno.

La escena se sitúa en la época actual cuando, para sorpresa de muchos, El Vaticano elige a un Papa africano (de origen negro caribeño para más señas) y él mismo decide abolir el mito del Edén. Como cabe imaginar, tal decisión deja a Eva, Adán y, consecuentemente, a Lilith en la estacada, sin saber muy bien qué hacer con sus vidas de ahora en adelante. Mientras que para la mala pécora de Lilith esta obligada adaptación al mundo real es una liberación, Adán y Eva no tienen ni la menor idea de cómo encauzar su día a día en esa tierra tan difícil y hostil. Así, la obra se desarrolla mientras hacen la mudanza y terminan de recoger todas sus posesiones y recuerdos de El Paraíso, dándose situaciones de los más variopintas y extrañas a cada momento.

Lilith, Adán y Eva o la rebelión del Edén pretende no sólo hacer pasar un buen rato al espectador sino que busca la reflexión, hacer pensar sobre el papel masculino y el femenino, sobre los mitos pre-establecidos, sobre la religión, la historia, las ideas falsamente preconcebidas y los roles sociales en general. ¿Es Eva tan cándida, buena madre y entregada o abnegada esposa? ¿Es Lilith tan descarada y valiente? ¿Y Adán? ¿Cómo hará para salir airoso de entre estas dos mujeres y de su propio conflicto interior? Dándoles vida, Asunción Sanz, Íñigo Núñez y Cyntia Martín nos harán ver cómo todo es relativo. Ni los buenos son tan buenos, ni los malos tan malvados.

Tras visitar Almería, Sevilla, Pamplona, Zaragoza o Jaén, la compañía próxi ma men te actuará del 4 al 6 de febrero en Sevilla (Sala La Fundición) y desde el 3 hasta el 6 de marzo de 2011 en Málaga (Teatro Cánovas), pasando el 26 de febrero por la Sala Guirigai (Santos de Maimona, Badajoz) en una única actuación.

El Teatro se va a Sevilla

2011-01-31T15:55:00.025+01:00

Durante casi todo el mes de febrero de 2011, concretamente del 3 al 27, tendrá lugar en Sevilla la IX Muestra El Teatro que Viene, pequeño festival en el que varias compañías ofrecen sus nuevos espectáculos en exclusiva y a precios muy asequeibles.
Un total de ocho puestas en escena que Barataria, Carburo Teatro, Pícaros sin Patria, La Imprudente o El Hombre Tranquilo Producciones, entre otras, mostrarán gracias a la fusión y colaboración entre el CICUS (Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla) y la Sala La Imperdible de la capital hispalense.
Las funciones tendrán así lugar en la Sala Teatro Duque-La Imperdible, a las 9 de la noche los jueves y sábados y a las 8 de la tarde los domingos. Los precios van de los 5€ para los universitarios a los 12€ para el resto del público.

Programación completa

Estoy atacá!

2011-01-25T11:21:00.021+01:00

Recurrir a la figura de la tan explotada maruja a la hora de hacer comedia no es, desde luego, nada nuevo pero aún queda mucho por hacer y reír. Partiendo de esa base, las tres magnificas actrices que componen Las Chirigóticas (Ana López Segovia, Alejandra López y Teresa Quintero) hacen desde el 2005 algo así como teatro carnavalero, lo que viene a ser la dramatización de los textos de La chirigota de las niñas, formación no oficial y callejera del carnaval de Cádiz de la que formaban parte. Incorporan así cuplés cantados, que dinamizan y hacen incluso más divertida la puesta en escena, demostrando que estas mujeres de la calle tienen mucho que decir y aportar al panorama teatral actual.
La maleta de los nervios es su segunda apuesta en gira y su éxito se debe no sólo a ser de nuevo un claro exponente del interés de esta compañía por mostrar abiertamente la genialidad del carnaval ilegal sino de cómo tres mujeres gaditanas, sin rechazar jamás a su acento y maneras, pueden hacer comedia de calidad basándose en la vida más llana, simple y común: la de tres Maris que charlan y cantan a grito pelado sus aventuras y desventuras en el quehacer diario, cuñadas insoportables y maridos insufribles inclusive.
Bajo la atenta dirección del cordobés Antonio Álamo y basado en el texto de una de las actrices, Ana López Segovia, La maleta de los nervios merece mucho la pena. Es la risa asegurada, el teatro cercano y sin dobleces que a veces tanto se echa de menos en las salas de hoy día pero con una crítica mordaz hilada muy finamente si se lee y oye atentamente entre líneas. Crítica y público aplauden unánimemente a Las Chirigóticas, ¿a qué esperas tú?

Próximas actuaciones en La Rinconada (Centro Cultural Antonio Gala), Sevilla (Sala TNT) y Madrid, donde estarán previsiblemente todo abril de 2011 en la Sala Verde (Teatros del Canal).
Vídeo de presentación de la compañía.

Un Magnífico Enfermo

2011-01-23T18:26:00.005+01:00

Aquí tenéis el enlace al maravilloso artículo publicado en el suplemento Babelia de El País el pasado sábado 22 de enero. Un claro ejemplo de cómo el teatro sigue siendo una de las expresiones artísticas que mejor resisten a lo largo del tiempo, muy a pesar de las muchas adversidades a las que constantemente se ve expuesto.

Espero que disfrutéis de la lectura:

El magnífico enfermo. Por Marcos Ordoñez.

Un cabaret extra-ordinario

2010-07-15T12:53:00.024+02:00

Cuando el espectador se enfrenta a un espectáculo de El Espejo Negro desde luego sabe a lo que va. Ángel Calvente lleva dando guerra desde 1989 con espectáculos memorables y muy premiados como Tos de Pecho, El Circo de Las Moscas o la infantil Un Piojo Llamado Matías que, además de provocar la carcajada continúa e inteligente durante algo más de noventa minutos, demuestra como un autodidacta puede crear espectáculos con un reconocible sello personal de alta calidad.
La compañía, con marionetas muy elaboradas y versátiles, hace un genial repaso de la actualidad política, el pasado folclórico más auténtico y cañí así como una desmitificación de cantantes, políticos, nobles y princesas varias. Es, ante todo, un cabaret de variedades muy picante donde Mariana Travelo, travestida de descomunales pechos, vulgar y elocuente donde las haya, ejerce de maestra de ceremonias, cantante, bailarina, imitadora y mujer fatal, demostrando que una marioneta puede ser mucho más que tela, fieltro y una bonita peluca.
Sorprende la fantástica dirección, la sincronización del, como ellos se denominan, “relleno de carne” que mueve las muchas marionetas, la improvisación pero sobre todo el juego con el público que, en el caso de la función del 14 de Julio en el Claustro de San Francisco de Moguer, estuvo especialmente entregado y participativo. La actuación forma parte del siempre interesante festival Luna de Verano de Moguer y Mazagón, en el que próximamente participarán Malaje Sólo con su Humor Platónico (28 de Julio), Histrión con Los Corderos (4 de Agosto) o Rosaura y Gilda de Acuario Teatro (18 de Agosto) entre muchas otras.

Así, Es-Puto Cabaret, merecida ganadora del 25º Premio Mostra Internacional de Titelles a la Vall d'Alvaida, es una cita ineludible, una crítica desternillante, un espectáculo atrevido y una puesta en escena no apta para mentes poco tolerantes; así lo advierten desde el minuto uno cuando un Joselito venido a menos nos canta unas de sus mejores piezas a lomos de su jeringa de doce cascabeles (cáptese el más que evidente doble sentido). Ángel Calvente junto a Ana Gardeta, Susana Almahano y Antonio Arcos dan más que vida a sus marionetas, las hacen las reinas del espectáculo pero son personajes libres que demuestran cómo los muñecos no son sólo un juego de niños.
Es-Puto Cabaret está de gira y pasará próximamente por Zafra, Cazalla de la Sierra, Mairena del Alcor, Utrera y Aljaraque.

Vídeo promocional

Cuatro premios para Miliciano

2010-06-14T23:05:00.007+02:00

El XVI Certamen de Teatro Infantil y Juvenil José Muñoz Castillejo ha concedido nada menos que cuatro premios a la obra Miliciano como:

- Mejor espectáculo (Teatro A'llado)

- Mejor interpretación masculina (Pedro Aguilera)

- Mejor dirección (Daideé Veloz)

- Mejor texto original (Joaquín Blanes)

Sólo nos queda decir... ¡enhorabuena compañero!

Vídeo con algunos de los mejores momentos de la obra.

Una comedia senil

2010-06-05T13:16:00.018+02:00

Con una frase tan repetida, tan humana, tan cómica y tan amarga como "qué pena, ¡qué pena! Con lo que yo he sido..." comienza Manuel Monteagudo este genial monólogo. Taí Virginia, espectáculo que estrena allá por 1996 y que lleva la friolera de catorce años moviendo por tantas salas y teatros, es una pieza terriblemente humana donde humor y melancolía se dan la mano constamente.

Monteagudo, aunque mayormente conocido por sus apariciones en series de televisión como Los Serrano, Amar en Tiempos Revueltos, Los Hombres de Paco o Aída, tiene a sus espaldas una dilatada trayectoria dentro de la dramaturgia gracias a Los Ullen, La Jácara o el propio CAT (Centro Andaluz de Teatro). Pero es en Taí Virginia donde despliega sus grandes dotes cómicas, donde provoca las situaciones más surrealistas para transportar al espectador a la triste vida de esta anciana condenada a la soledad, el abandono y la locura. De hecho, dos grandes reconocimientos como son el premio al mejor actor Feria de Teatro del Sur en 1996 y el 3º premio del Certamen Nacional de Monólogos en 1997 le avalan.

Taí Virginia estará en La Fundición (Sevilla) del 17 al 27 de Junio de 2010.

Vídeo con varios momentos del espectáculo.

XXVI Festival de Teatro Clásico y Danza Castillo de Niebla

2010-05-28T22:41:00.031+02:00

Acaba de publicarse la programación para el verano de 2010 de este afianzado y reconocido festival que reune a los amantes del teatro en torno al impresionante Castillo de Los Guzmanes en la localidad onubense de Niebla. Gracias a la calidad de las obras y espectáculos no cabe duda de que volverá a ser una memorable cita estival.

JULIO

Sábado, 3 - El avaro - Molière - Entrecajas

Producciones Teatrales / Centro Dramático Nacional

Sábado, 10 - Así que pasen cinco años - Federico García Lorca

Compañía Manuel Monteagudo

Sábado, 17 - Wonderland

Víctor Ullate Ballet / Comunidad de MadridDanza

Sábado, 24 - Frankenstein - Mary Shelley

Dirección: Gustavo Tambascio

Producciones Come y Calla

Sábado, 31 - Ricardo III - W. Shakespeare

Atalaya

AGOSTO

Sábado, 7 - Calígula - A. Camus

L'Om-Imprebís

Sábado, 14 - El galán fantasma - Calderón de la Barca

Secuencia 3

Sábado, 21 y domingo, 22 - Poema del cante jondo en el café de Chinitas - Federico García Lorca

Ballet Flamenco de AndalucíaDirección: Cristina Hoyos

Para más información podéis acudir a la web del Área de Cultura de la Diputación de Huelva.

Teatro A'llado presenta MILICIANO de Joaquín Blanes

2010-05-25T11:02:00.006+02:00

Miliciano cuenta el absurdo de la guerra. Refleja lo más crudo, duro y doliente de nuestra Guerra Civil acompañado de humor, de una sátira abierta cuyo distanciamiento permite al espectador recibir y objetivar el mensaje de Teatro A'llado.Un esmirriado soldado en la trinchera que conversa con sus vecinos del pueblo en el otro bando, nos sirve para narrar un trozo de nuestra memoria.El texto, del dramaturgo Joaquín Blanes, escrito para la ocasión, alterna satíricos pasajes con la crudeza más dura de la guerra. Un humor negro y ácido muy propio del estilo de este interesantísimo escritor sevillano.

Fecha: Viernes, 28 de mayo de 2010
Hora: 21:00
Lugar: Alcalá de Guadaíra. Teatro Gutierrez de Alba

¡Suerte compañero!

Una ingeniosa provocación

2010-05-17T13:33:00.012+02:00

Estrenada en 2001, habiendo roto todos los pronósticos y con más de 32.000 espectadores a las espaldas, Bastarda Española vuelve con Estrella Sublime, con Lola Marmolejo y Charo Urbano bajo la dirección de Antonio Campos.
La acción transcurre en un bar cualquiera, donde Lola, camarera cansada de aguantar tonterías y escuchar lo mismo día tras día, pasa una noche de lunes castigándose el cuerpo y lamentando su mala suerte, blasfemando sin parar y maldiciendo vírgenes y santos sin ningún reparo. Entonces aparace Macu, una virgen virtual que le recrimina su mala vida y tanto quejarse de vicio. Comienza así a contarle su vida, transgrediendo la imagen divinizada y casi utópica que ha vendido el catolicismo. Son dos mujeres atrapadas en una realidad que les disgusta profundamente y que, inesperadamente, ven como no son tas distintas las una de la otra al fin y al cabo. No hay milagro que las salve y el bar en el que sucede toda la trama y que da título a la obra, sin prácticamente cambios de atrezzo o iluminación, se convierte en el lugar perfecto para un encuentro mágico que cambiará la vida de ambas.
Estrella Sublime rompe con el fanatismo beato, baja a la tierra los mitos religiosos pero sobre todo habla de dos mujeres de carne y hueso que se toman la vida con todo el humor que pueden.
Es un espectáculo que sabe mantener la carcajada sin excesos durante una hora y media donde María Santísima Inmaculada Concepción del Mayor Dolor y Desamparo de los Afligidos tira por tierra lo más absurdo de las tradiciones. La obra no ofende sino que ironiza la devoción mariana mal entendida y las voces que claman al cristianismo sin pies ni cabeza. Por todo esto, abstengansé aquellos sin una visión abierta y tolerante.

Estrella Sublime estará en la Sala Cero sevillana del 20 de Mayo al 20 de Junio de 2010, en cinco pases de jueves a domingo.

Teatro para bebés

2010-05-11T23:11:00.012+02:00

El Museo Picasso Málaga lleva a cabo una valiente y muy bonita iniciativa llamada Caja de Sorpresas: Niños en el Picasso, pequeñas piezas que acercan el teatro a los bebés y niños de entre seis meses y tres años de edad a través de Pupila de agua, de la compañía madrilena La Casa Incierta, y Tondo redondo de la granadína Da.te Danza.
Las representaciones tendrán lugar en tres pases los domingos 16 y 23 de Mayo así como el 3 y el 13 de Junio de 2010.
Las entradas cuestan tan sólo dos euros.

Programa completo de la actividad.
Dossier de prensa de Pupila de agua.
Dossier de prensa de Tonto redondo.

Vídeo de Pupila de agua.

La hermosa bruttezza

2010-05-05T22:14:00.001+02:00

Umberto Eco, en su ensayo Historia de la fealdad, relata una anécdota sobre Leonardo Da Vinci. Cuando al artista le preguntan por qué haciendo figuras tan bellas tenía hijos tan feos, éste respondió que porque las pinturas las hacía de día y los hijos de noche. La nocturnidad posee ese matiz de lo horrendo, las sombras acogen a los monstruos y son aliadas del horror, todo lo siniestro parece acontecer durante la noche. No hay película de miedo que no ocurra bajo el dominio de las sombras, cuando el sol, principio de luminosidad, símil de belleza, se esconde y deja paso a la oscuridad, a lo desconocido. No puede haber belleza sin fealdad, porque las palabras adquieren significado por oposición, por su reverso. Ha de existir lo feo para apreciar la belleza y viceversa. ¿Pero qué es bello y qué es feo?

La fealdad existe en el arte desde siempre, la fealdad como esencia de lo espantoso, lo desmedido o cruel. El término italiano para definir fealdad es bruttezza, nosotros hablamos de brutalidad para referirnos a un hecho abominable, a un acto feo; las ménades adoraban a Dionisio, dios de los excesos, y el término puede traducirse como “las que desvarían”. Se decía que eran seres brutales, cegados por el alcohol y el deseo cruel, buscaban el goce sexual cerca del masoquismo, y tienen mucho que ver con el origen al teatro.

Es inevitable sentirnos atraídos por la fealdad, rechazamos la fealdad y al mismo tiempo nos vemos cautivados por su enigmática forma. Lo feo posee un magnetismo incontrolable que nos impele a mirar el cadáver de un animal en la cuneta, el rostro de una persona deformado en un accidente; nos repele la imagen atroz de la fealdad y, sin embargo, nos reconocemos excitados ante la visión de lo horrible.

Cada época ha tenido un canon de belleza que todos han querido imitar. ¿Pero qué convierte en canon una tendencia? Vivimos en una época donde la belleza está más próxima de lo horripilante que de lo hermoso. Las modelos cadavéricas, pasean sus pómulos y labios inflamados, contonean sus senos turgentes enfrentándolos al principio natural de la gravedad, caminan con unas piernecitas que parecen más bien palos de escoba articulados. ¿Qué tiene de bello el canon actual de la belleza? Para Rubens y sus coetáneos la belleza era oronda, curvada y rubicunda. Para algunos, lo que hoy es belleza nos parece atroz.

Todo esto, que a priori parece una disertación sin sentido, tiene mucho que ver con el transfondo que respira la obra de Sergi Belbel. En Soy fea, como en todas las obras bien construidas, existe siempre una doble lectura. Una primera lectura, sencilla y liviana, que produce el disfrute del espectador y una segunda lectura, que produce una comezón inquietante, de efecto retardado, que sirve para reflexionar a posteriori sobre la esencia del texto, sobre lo que quiere transmitirnos no sólo el autor, también la compañía que interpreta, de forma personal, la obra escrita.

Soy fea tiene esas dos lecturas, no se queda en la insulsa primera capa. Un buen texto en unas manos torpes puede destruir cualquier riqueza que contenga la obra; un buen texto en buenas manos, obtiene lo que aquí ha conseguido Rosa Carbonell, un espectáculo que roza la excelencia. Carbonell tiene las ideas muy claras de lo que quiere contar y cómo quiere contarlo, para ello, con pocos recursos, construye una escenografía sobria en el que los actores recuperan el estilo artificial de Brecht, incitando al espectador a entrar en el universo mágico de la representación. No es necesaria una sierra mecánica para que el público crea que el personaje lleva una. La clarividencia del teatro consiste en un código donde el espectador acepta como verdadero el artificio, la interpretación de un grupo de actores que entran y salen de los personajes pero permanecen en escena, en un lateral, donde además hay colocados dos percheros con el vestuario de todos los personajes que interpretan cuatro actores. Lo dice Francisco Nieva: “El teatro tiene que ser teatral. Es un engaño, una mentira que dice la verdad del mundo. No debe imitar la Naturaleza”; claro que esto lo dice un dramaturgo criado en las entrañas del teatro del absurdo y el de la crueldad de Artaud. Lo cruel, lo trágico, lo abominable, tratado con humor, con ironía y desparpajo convierte en llevadera la realidad más difícil.

El primer riesgo que corre la obra es dar el papel de la Fea a un actor. Esa apuesta es tan arriesgada que puede perjudicar el resultado final haciéndolo parecer frívolo o vulgar. El travestismo es acertado para el cabaret, para el teatro es un riesgo complicado. Sin embargo, guiado por la mano segura de Rosa Carbonell, Pablo López Martín consigue crear un magnífico personaje, creíble, sincero, honesto y falso. Esto no es nuevo, el teatro isabelino tenía prohibido actuar a mujeres y eran los hombres los que desempeñaban los papeles femeninos (aconsejo ver la cuidadosa película Belleza prohibida de Richard Eyre). Pablo López Martín es la Fea, no imagino un sustituto para este papel, construido con detalle y esmero, posiblemente la obra no hubiera sido igual sin ese personaje tan logrado.

Hay que destacar también el trabajo de Sergio Vega en el papel, entre otros, de Samuel Guash, un gilipollas encantador, personaje pagado de sí mismo, soberbio y vanidoso, que recrea, de manera acertada, a alguno de esos personajes mediáticos tan en boga, a cada espectador le vendrá un nombre detestable cuando vea en acción a Samuel Guash. Mireia Pascual resalta, especialmente, en el papel de Pina, la secretaria de Samuel Guash, ese momento hilarante en el que Guash dice que nos va a cantar un fragmento de su nuevo disco y canta la canción entera, mientras Pina le acompaña tocándole los crótalos. Magnífico. Como fantástica y divertida es la escena de cama en la que se acuestan los “amigos” de la Fea y ella en la misma cama. Tan divertido como el primer orgasmo de la Fea después de cometer un acto abominable.

David Mena mantiene el nivel de los otros actores, aunque en ocasiones sus personajes llegan a confundirse un poco, de todos modos, el personaje del periodista está muy bien confeccionado.

La obra, como hemos dicho, tiene momentos irónicos y otros en los que despierta la risa franca en el espectador. Es coherente, está muy bien interpretada, sabiendo de la complicación que supone interpretar todos los personajes con cuatro actores; la dirección es fresca, tiene soltura y una madurez convencida que bien merece una gira. Sería una lástima que se quedara en un estreno y poco más, aunque eso depende ya de terceros, programadores y circuitos.

Habría que perfilar alguna que otra cosa para hacerla redonda, quizás acercar un poco más el momento culminante, el primer asesinato (un poco de spoiler nunca viene mal); desde ese momento, que es una detonación dramática espectacular, un punto de giro importante en la motivación de la Fea, consigue que la obra fluya rítmicamente hacia el desenlace y quizás esté demasiado lejos. De ahí en adelante, la obra corre hacia el desatino, sin olvidar la trastienda de las ideas claras. ¿Y si hubiera que luchar contra lo bello para que la fealdad fuera, por fin, respetada? ¿Ha de acabar la Fea con todo lo bello, aunque el último acto suponga una agresión contra sí misma? ¿Aunque suponga un hecho terrible, doloroso? ¿Un acto execrable y feo? ¿Y si no es así, qué otra salida hay?

Soy fea de Sergi Belbel, Jordi Sánchez y Óscar Roig.

Dirección: Rosa Carbonell.

Reparto: Pablo López Martín, Sergio Vega, Mireia Pascual Vilaró, David Mena.

Fotos: José A. Díaz-Meco

Humor "absurdo"

2010-05-01T10:54:00.008+02:00

Huyendo del típico tópico del andaluz que hace gracia a todo el mundo, Malaje Solo busca el humor desde el absurdo, jugando constantemente con un lenguaje sutil y lleno de guiños, gracias en buena parte a una puesta en escena siempre minimalista y directa.
Desde que comenzaran con ¿Cuándo se come aquí?, en 1996, sus espectáculos (Malaje y Julieta, Animalaje, Escaparate y Fiesta) giran en torno a la doble intención y la risa sana con Malaje (Antonio Blanco) siempre como protagonista y acompañado actualmente por un inseparable compañero de fatigas (José Antonio Aguilar). Juegan siempre con el gesto, la falsa seriedad de los actores, la onomatopeya y objetos simples o cotidianos en escena.
Basta decir que suelen terminar sus espectáculos tal y como los comienzan: tocando música con un jamón (violín) y un fuet (flauta).
En esta nueva apuesta los mitos griegos son una mera excusa para hablar del humor diario, para invitar a los espectadores, que forman además una parte muy activa de la obra (en las zonas VIP y RIP) a ver a los clásicos como gente normal que también se reía por tonterías. Humor Platónico, que se estrenó en el Festival de Palma de Río en Julio de 2009, no ha parado de cosechar éxitos desde entonces, con una gira activa y que llega a pequeñas salas y escenarios donde no se suelen programar a las grandes compañías, buscando la complicidad de un público entregado de todas las edades y sin más intención que pasar una hora y poco divertida, distinta y en contacto con un teatro andaluz lejos de la ostentación.
El guión de la obra pertenece a Antonio Blanco, la iluminación y sonido corren a cargo de Lola López y la dirección es de Síndrome Clown.
Malaje Solo estará girando su Humor Platónico por Alcalá de Guadaira, Níjar, Montilla, Málaga, Punta Umbría, Grazalema, Fuente Vaqueros, Antequera, Torrelavega, Moguer, Montoro, Baeza, Puerto Real, Écija, Coín y Trebujena entre otras localidades.

Vídeo

Dossier de Prensa

De la Universitas Onubensis

2010-04-26T12:29:00.019+02:00

XII Encuentro de Teatro Universitario
El Área de Promoción Cultural de la Universidad de Huelva organiza nuevamente su anual Encuentro de Teatro Universitario del 28 de Abril al 5 de Mayo de 2010. Los espectáculos tendrán lugar en el Gran Teatro de la capital onubense al módico precio de 4€ para la comunidad universitaria y 6€ para el resto de público.
Recomendamos especialmente:

Madrépora Danza (Vídeo)

Programación

Clásicos sobre piedra y arena

2010-04-24T00:15:00.008+02:00

V Festival Juvenil Europeo de Teatro Grecolatino de Baelo Claudia

Los días 26 y 27 de Abril el conjunto arqueológico Baelo Claudia, en la preciosa playa gaditana de Bolonia, será testigo de esta joven muestra de teatro clásico.

Programación

Oreja y rabo

2010-04-21T23:08:00.014+02:00

Hoy en día, el hecho de acudir a una sesión de orientación sexual resulta bastante normal. Pero no lo es tanto si esa orientación se torna en clase magistral impartida por sujetos especializados en la materia, es decir, treintañeros expertos en la juerga y caza nocturna: jóvenes maestros dispuestos a desvelarnos todos sus secretos y técnicas para triunfar una rutinaria noche de fin de semana.
De esta forma ocurre en la representación de La naranja completa. Uno tiene la sensación de familiarizarse con numerosas dudas, impulsos y pensamientos relegados en el subconsciente freudiano, todo ello a través de un lenguaje llano y sencillo. A partir de aquí, la identificación con el personaje correspondiente resulta cómica e inevitable.
Como contrapunto, no asistiremos a ningún destape flagrante ni desnudo integral aunque sí nos lo permitirá nuestra fantasía con sólo escuchar las descripciones y detalles de los dos personajes. Un espectáculo que nos muestra a unos solteros que pretenden la búsqueda del honroso premio semanal pero sin ningún compromiso a cambio. Tienen demasiado claro que no necesitan una mitad que los complementen porque se consideran autosuficientes. Nos demostrarán, al fin y al cabo, que son capaces de conquistar sobre el albero el máximo galardón.
Al más puro estilo ovidiano, este “arte de amar” moderno y sin tapujos nos guía paso a paso en el transcurso nocturno en busca del socorro coital. A la vez, ofrece la posibilidad de contemplar lo ridículos que podemos llegar a ser con tal de satisfacer nuestro ego y apetito carnal.
La compañía que pone en escena esta comedia tan inusual se conoce como Tenemos gato. El responsable de tan atrevido texto se llama Luis Felipe Blasco, joven guionista y dramaturgo que consigue reflejar las experiencias más íntimas y apasionadas para que todos y todas las reconozcamos como nuestras. Juan Alberto Salvatierra dirige a los actores Cristina Rojas y Homero Rodríguez, quienes hacen de esta obra una referencia de cabecera para la diversión, y como no, para la orientación sexual o cualquier otro derivado de la milenaria erotodidaxis.

Estarán de gira por: Fuengirola, Mijas, Alhaurín de la torre y Torrox (Málaga), El Ejido y Torreperogil (Almería), Baeza (Jaén), Carmona (Sevilla) y Cádiz.

De títeres y marionetas

2010-04-19T23:08:00.037+02:00

30 Feria Internacional del Títere de Sevilla
Del 30 de abril al 9 de Mayo de 2010

Pequeños y mayores tienen una cita en la capital hispalense para disfrutar con este género tan lleno de mágia.

La programación de la feria se completa con dos exposiciones:

Marionetas de Mali, en el Centro de las Artes de Sevilla (caS)

30 años de títeres de Sevilla, en el Centro Cívico Las Sirenas (en la Alameda de Hércules)

Algunos vídeos:

El viaje de Mur (Behibi´s-País Vasco)

La caja de los cuentos de seda (Escenoteca-Sevilla)

Papobo (Grupo Teatral Arteatro-Cuba)

Jirafas (Xirriquiteula Teatre-Cataluña)

Soy fea

2010-04-15T06:29:00.000+02:00

Rosa Carbonell dirige este musical antiestético escrito por Sergi Belbel. Es la práctica del último curso de Dirección Escénica, una propuesta arriesgada, desenfadada y grotesca que merece la pena ver.

Estará en el Teatro de la ESAD de Málaga (C/ Bela Bartok, s/n) los días 29 y 30 de abril.

Allí estaremos, supporting nuestro futuro escénico.
Llevaremos pompones como las animadoras.

Vaya, yo que maté a su marido y a su padre

2010-04-11T23:51:00.015+02:00

Si buscásemos en una enciclopedia la definición de perverso y triunfalista, monárquicamente hablando, el resultado sería sin lugar a dudas un personaje como Ricardo III. Al llevarlo al drama Shakespeare creó una especie de monstruo, un rey déspota, un psicópata retorcido y malévolo cuyos planes siguen todos adelante gracias a esta falta de empatía y humanidad, sentimientos que hacen de esta pieza una obra maestra intemporal y siempre sorprendente.
En el centro del drama se halla el personaje del usurpador Ricardo, duque de Gloucester, que corteja a Ana, viuda de Eduardo IV, y esta cede a sus pretensiones tras haberlo maldecido e insultado por favorecer la muerte de su marido. Tras aniquilar a sus hijos y a varios nobles influyentes, la repudia para casarse con su joven sobrina, Elisabeth de York. Pero el duque de Buckingham se rebela ante tales ofensas y le da muerte a través del conde de Richmond la noche después de que a Ricardo se le aparezcan todas sus víctimas en forma de espectros, provocándole un aterrador cargo de conciencia. Es también muy famosa la exclamación de Ricardo III cuando busca una nueva cabalgadura en la batalla de Bosworth poco antes de morir: "Un caballo, un caballo, mi reino por un caballo". Es el drama shakesperiano sobre el anhelo de poder por excelencia, donde la maléfica inteligencia del protagonista parece no tener límites mientras escala cotas de poder.
Con más de veinte personajes y respetando el texto original en su mayoría, la compañía sevillana Atalaya, Premio Nacional de Teatro en 2008 y reconocida por la valentía en sus montajes, afronta Ricardo III bajo la dirección y adaptación de Ricardo Iniesta y con Carmen Gallardo a la cabeza, cuyas tablas aseguran el buen espectáculo y el saber hacer. Tras deleitarnos con Elektra, Ariadna y Medea (la extranjera), Atalaya no hará menos con Ricardo III, obra potente y visceral donde las halla, con una puesta en escena ambiciosa y siempre innovadora. La compañía cumplió su XXV aniversario hace dos años y con este espectáculo como bastión reafirma su buena trayectoria, además de encontrar en Shakespeare un filón de emociones desmedidas, sangre y pulsiones fundamentales muy en la línea de sus montajes anteriores en torno a la tragedia griega más clásica.
Ricardo III se estrena en el Lope de Vega en Sevilla el 29 de abril y estará en cartel hasta el 9 de mayo. Después irá a Málaga, Ourense, Cáceres y Granada, en una gira aún sin cerrar que promete ser exitosa.

Para saber más:

Video del ensayo de la obra como adelanto de esta nueva producción.

http://www.elcorreoweb.es/cultura/089814/ricardo/iii/aun/deja/aqui

http://www.atalaya-tnt.com/index.php?id=196

http://www.teatrolopedevega.org/index.php/events/view/171

Esperando una buena racha

2010-04-01T00:09:00.016+02:00

En cualquier momento de cualquier vida y en lugar cualquiera, todos esperamos superar el bache.

Marie Jones, actriz y dramaturga muy conocida en su Irlanda natal, creó Piedras en los bolsillos (Stones in His Pockets) para el DubbleJoint Theatre de Dublín en 1996 ante su propia deseperación personal y profesional. La obra se plantea como un juego, una broma en la que se da claramente a entender que nadie cambiará tu destino sino lo haces tú mismo. Para desarrollar este planteamiento la autora hace que dos actores interpreten a Jack y Charlie (Fali y Lolo en su versión española), dos hombres del montón que trabajan como extras en un film de gran presupuesto que se está rodando en un pueblo perdido, cuya rutina se ve completamente alterada por este acontecimiento.
Marie Jones ironiza sobre el cine y sus jerarquías, experiementa con los actores hasta llevarlos a interpretar a ocho personajes distintos cada uno sin prácticamente atrezzo ni cambios en la escenografía. Supone todo un reto para cualquier intérprete pero es sobre todo un texto valiente, una apuesta por un teatro minimalista donde los personajes llevan un ritmo acelerado pero ordenado y donde la desesperación de estos dos figurantes por cambiar su sino se ve reflejada en los frenéticos cambios de rol.
La propuesta de Fernando Tejero y Julián Villagrán estará en el Lope de Vega de Sevilla del 8 al 10 de abril bajo la dirección de Hernán Gené. La gira continuará por muchas otras ciudades como Almería, Murcia, Castellón o Valencia.

Dossier de prensa de Piedras en los bolsillos.
Entrevista en El Correo de Andalucía a los actores.

Agallas

2010-03-28T14:51:00.002+02:00

Nadie podrá decir que en Andalucía no tenemos buenos dramaturgos, la prueba estuvo en el Día Mundial del Teatro que se celebró en Sevilla el pasado 25 de marzo. 25 historias creadas por 25 dramaturgos, breves, sencillas, pero definitivamente clarificadoras del alto nivel de nuestros creadores. Destacar, por encima de todo, el trabajo encomiable de Alfonso Zurro, el atrevimiento y las agallas para emprender una propuesta como la que ha realizado con los alumnos y profesores de la ESAD de Sevilla. La idea, aunque no innovadora, sí que resulta poco común en nuestro teatro: Alquilar un hotel para que en 25 habitaciones se representen pequeñas piezas, donde el público se ve inmerso en esa intimidad desconocida que se desarrolla tras una puerta cerrada y formar parte del verdadero voyeur que todos llevamos dentro y que define al espectador de teatro. Todo espectador pretende inmiscuirse en el drama cotidiano de los personajes, habitualmente desde un asiento donde la cuarta pared se levanta como una débil frontera; sin embargo, en el interior de una habitación de hotel, aunque se prohiba la interactuación con los actores, la presencia tan próxima y detallada de la acción supone ir más allá de romper la cuarta pared, supone la intromisión directa en la vida de los otros. Uno puede llegar a sentirse extrañamente incómodo por esa cercanía pero una vez superada esa primera impresión el espectador se verá envuelto en un apasionante juego de intrusismo e impertinencia, de originalidad y gozo.

Como en un libro de relatos, no todas las historias pueden tener una gran calidad, toda obra conjunta se rige por el gusto particular del que la lee o la contempla. Habría que destacar la simpática pieza de Álvarez-Novoa titulada Heterosexuales, que fue un buen aperitivo para la zona A, así como el divertimento de Islas de Antonio Álamo que recordaba aquella escena del camarote de los Hermanos Marx, la dureza impactante de Comando de Alfonso Zurro y la crudeza directa de Gracia Morales en La hora del baño. El desenfreno eclesiástico de Siempre se puede mejorar de Antonio Onetti, con un magnífico Justo Ruiz, o el descaro de un personaje como el Don Jentucio Muchacar, escrita por Adelardo Méndez Moya, que muestra la tradicional figura del pícaro andaluz, todavía viva entre nuestra nobleza tan mediática y tan gustosa de la prensa amarilla. En la zona C, sin duda, destacaba la pieza de Sergio Rubio, Esclavos, una obra que tiene el aire del Animalario más contestatario, el de Alejandro y Ana; y en la zona D, al estilo más absurdo y humorístico de Mihura, sobresalía El menagè a trois, con una magnífica interpretación de Federico Cassini. De las piezas más perturbadoras, la más destacable fue Lentejas con chorizo y mucho ajo de Antonio Hernández Centeno, con un tema muy delicado como la pederastia, pero tratado con socarronería e ingenio, impedía que el espectador se sintiera agredido de una manera molesta.

El éxito de la convocatoria fue absoluto, la cola era inmensa y la gente estaba ávida por verlo todo, no quería perderse un espectáculo cuya originalidad estaba en el lugar de la convocatoria, un hotel, pero cuyo peso recaía en unos textos poderosos y en el buen hacer de los alumnos y profesores de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla.

Ojalá todos los años nos regalen y sorprendan con montajes así de espectaculares. Hay que tener muchas agallas para embarcarse en un experimento complejo como éste y salir no sólo bien parado, sino magníficamente respaldado por el público. Esperemos que también el respaldo sea monetario por parte de las autoridades, ahora que los ayuntamientos se han vuelto escrupulosamente precavidos con el dinero público, recortando en algo tan esencial y necesario como la cultura en general y el teatro en particular. Programen más, por favor, y programen obras andaluzas, porque el nivel, demostrado queda, está a la altura exigida.

Algunos enlaces:

http://www.elcorreoweb.es/cultura/088834/dia/mundial/teatro/hotel/casa/romana/alfonsozurro

http://www.diariodesevilla.es/article/ocio/663153/overbooking/teatral/casa/romana.html

Vuelve el Fest

2010-03-22T08:02:00.002+01:00

Festival internacional de teatro y artes escénicas de Sevilla.
Del 10 al 18 de abril de 2010

Web del Festival: http://www.sevillafest.com

Descargar Dossier de prensa

Desde aquí recomendamos especialmente:

Rootlessroot

Pere Hosta

Día Mundial del Teatro

2010-03-21T08:25:00.004+01:00

El 27 de marzo se celebra el día mundial del teatro.

A lo largo de la próxima semana se celebrará en distintas ciudades andaluzas.

En Sevilla, la ESAD ha preparado un curioso espectáculo que se desarrollará en las habitaciones de un hotel.

CELEBRACIÓN DEL DÍA MUNDIAL DEL TEATRO 2010

HOTEL CASA ROMANA.

C/ Trajano, 15

Sevilla

25 habitaciones. 25 autores de teatro. 25 historias diferentes. 25 de marzo.

Cada habitación una historia, una miniobra teatral escrita especialmente para este evento por otros tantos autores andaluces.

Una experiencia única y diferente que escapa de los cánones habituales del teatro.

Un espectáculo organizado por la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla.

Desde las 19 horas y hasta las 24 horas del jueves 25 de marzo.

ENTRADA LIBRE

Disfruta del teatro. Ama el teatro.
No te lo pierdas

2010-03-20T10:33:00.001+01:00

Hay espectáculos que deberían llevar un prospecto para su correcto uso, un prospecto donde dijera: “Especialmente indicado para salas pequeñas”. No todos los espectáculos pueden representarse con el mismo éxito en todos los espacios. Cada mochuelo a su olivo, y aunque parezca una afirmación un tanto clasista, resulta el único modo de disfrutar correctamente de un espectáculo. A nadie se le ocurriría meter Turandot en la Sala Cero, a no ser que fuera una adaptación libérrima, o un pasacalles en el Teatro de la Maestranza. Los espectáculos, por su propia naturaleza y sus características de montaje, están destinados a espacios escénicos concretos, relativamente parecidos.
Hace unos meses estuve viendo NN12 la obra de Gracia Morales (Premio SGAE 2009) y entre el escenario enorme del teatro, donde la escenografía quedaba algo desangelada, y un público ominoso que no paraba de hablar y dejaba sonar los móviles con una rutinaria displicencia hacia los actores, las personas que quisimos disfrutar de un texto y una puesta en escena de Juan Alberto Salvatierra, llenos de poética, nos encontramos de pronto expulsados de la introspección que requiere ver un espectáculo de estas características. Ese espectáculo se merecía un lugar más íntimo, donde la comunión entre público y personajes fuera más profunda, directa y personal.
A La charca inútil le ha sucedido lo mismo en el Lope de Vega, una excesiva distancia entre el público y los personajes, una distancia incómoda para entrar de lleno en una obra que posee un texto tremendamente lúcido, con una estructura muy bien confeccionada y con un final imaginativo y bien justificado; ya le gustaría a los guionistas de Perdidos poder cerrar tamaño despropósito que han montado de una forma honrosa, como hace David Desola con La charca inútil (Premio Lope de Vega 2007).
Es difícil contar un poco la historia porque está llena de sorpresas y avanzar algo sobre la trama sería destrozar la emoción que produce la obra. Digamos que la premisa es una excusa, la paliza que le ha dado un alumno a un profesor sirve para hilvanar la personalidad pusilánime de Óscar, el protagonista; pero el detonante, lo que pone en marcha la verdadera historia es el encargo de dar clases particulares a un niño ciertamente “introvertido” como terapia para recuperar el valor. Cuando entra en casa de Irene, la madre del niño, pronto se dará cuenta de que es una mujer particularmente extraña, coleccionista de uñas mordidas, que invita a cenar pero no cena, hace como que cena, y que es incapaz de superar ciertos miedos, ciertos fantasmas.
La obra se desarrolla en dos espacios dramáticos: la casa de Irene y el parque donde cada miércoles se reunen Óscar y su antiguo profesor y mentor, Hierofante. Con una escenografía correcta, aunque con algún que otro elemento discordante, el pupitre sacado de El florido pensil destaca de manera contradictoria con la modernidad de la casa de Irene, y el elemento poético de la bola del mundo incandescente, es un poco cursi. Por lo demás todo muy correcto, incluso la actuación. De los tres intérpretes hay que destacar, sin duda, a Miguel Palenzuela, el viejo profesor Hierofante, pero la actuación de Adolofo Fernández como Óscar y Sonia Almarcha como Irene no desentonan, aunque les faltó cierta presencia, tal vez mayor intensidad dramática. Probablemente, en un espacio más íntimo, hubieran ganado presencia y emoción y la ironía que se respira en toda la obra hubiera resaltado más. De ahí que digamos que ciertas obras están hechas para espacios escénicos diferentes.
Señalar el peculiar guiño final del pato de papel que deja el profesor en el asiento del parque antes de marcharse; un curioso guiño al universo replicante de Blade Runner, como el unicornio de papel que el agente Gaff deja en la puerta de Deckard, aquí el profesor le deja un pato a Óscar como interrogándolo: ¿Quién dice quién existe y quién no? ¿Quién sabe si está loco o lo están los demás? ¿Y si todos fuésemos replicantes?
En cualquier caso, La charca inútil es una obra que merece la pena ver, porque posee un texto muy logrado, de calidad, difícil de encontrar hoy en día en el teatro independiente.

La charca inútil de David Desola.
Dirección: Roberto Cerdá
Reparto:
Óscar: Adolfo Fernández
Irene: Sonia Almarcha
Hierofante: Miguel Palenzuela
Escenografía y vestuario: Ikerne Ginémez
Iluminación: Pedro Yagüe
Espacio sonoro: Mariano Marín

Apostar al ganador

2010-03-04T00:09:00.009+01:00

Lo trágico está en lo clásico.
No es descubrir la pólvora. Partir de esta idea debería ser el principio fundamental de cualquier montaje teatral, no importa si más o menos innovador. No es nada nuevo que los valores del teatro clásico siguen tan presentes como el primer día y resistirse a esta realidad carece de sentido alguno si lo que se busca es hacer buen teatro.
Así debió pensar Federico García Lorca cuando tomó conciencia de la necesidad de hacer un teatro andaluz puro, de contar de una vez por todas los desgarros y la realidad de esta tierra, teniendo a la mujer como epicentro de esta marabunta de pasiones. Bodas de Sangre es una tragedia griega a la andaluza, tampoco es nada nuevo, pero llama la atención que hoy día haya compañías como el CAT (Centro Andaluz de Teatro) que sigan apostando por este texto, cuando parece que el gusto por lo clásico suena a rancio para algunos, cuando los dramaturgos del extremo, el neoteatro (¿?) y las perfonosequé inundan los locales de algo que busca ser teatro, como si lo importante fuera y fuese etiquetarse bajo el nombre más extraño y retorcido que se te ocurra.
Este argumento no excluye a lo innovador sino todo lo contrario: apuesta por abrir nuevos horizontes, pero con una base…
El CAT apuesta por las pulsiones fundamentales en un ejercicio de valentía, recurre a las bases del drama sin miedo y a pecho descubierto. Sabes lo que vas a ver, vas a sentir el teatro, a conmoverte, a arrancarte los sentimientos, las emociones, a seguir los pasos que Aristóteles dejó tan claros, es la Tragedia con mayúsculas.
Lorca escribe al modo griego con contenido del sur, con temática andaluza, con personajes, sonidos y colores de esta tierra pero nunca deja de lado la huella poética. Como el ateniense que iba a una representación, los espectadores de Bodas de Sangre vamos a ver Andalucía, a Lorca, sabemos cómo se amaran, se odiaran, se mataran, pero vamos al teatro a dejar que nos arañen el corazón, a sentirlo, a vivir la risa, el dolor y las pasiones más universales: vamos a buscar nuestra catársis.
Desafortunadamente, un gran número de las obras de teatro que son llevadas a escena hoy día tienen demasiadas elipsis, van demasiado rápido, suprimen tantos elementos por tratar de ser originales y diferentes que el espectador se queda medio vacío (que no medio lleno), con un sabor extraño al volver al mundo real. Los clásicos se curan en salud, lo tienen todo y sus cuadriculados pero perfectos esquemas aseguran tanto el docere como el delectare.
No basta con tener talento y sensibilidad, que Lorca emanaba a raudales, hay que mirar a los clásicos. El espectador no disfruta con lo incompleto, goza de las historias cerradas, de comer perdices o aniquilarlas, pero un final al fin y al cabo para volvernos a casa satisfechos.
Innovemos en la escenografía y el atrezzo pero no en el texto. No eliminemos elementos, adaptemos lo estético, lo exterior funciona si recurrimos a lo de siempre: a la agnición,a la peripecia, al yerro, a la sonoridad del texto y a la tan necesaria catarsis.
Esto debió pensar José Carlos Plaza al dirigir al CAT en estas Bodas de Sangre. Vaya aquí nuestro más ferviente aplauso.

Bodas de Sangre está de gira. Se estrenó en el María Guerrero de Madrid el pasado noviembre, pasó por Sevilla y se representa estos días en el Cánovas de Málaga. Irá después a Córdoba, Granada, Almería, Huelva, Cádiz y Jaén.

Recordando el verano del 36

2010-02-19T21:41:00.037+01:00

Decir Brian Friel es decir teatro irlandés, es tratar con el director de escena más reconocido de esta isla en los últimos 50 años pero, sobre todo, significa convertirse en un privilegiado espectador de las historias de la Irlanda rural, su gente, sus conflictos, su parálisis y sus tradiciones.
Así, Bailando en Lughnasa (Dancing at Lughnasa) toma su nombre directamente de una de las tradiciones paganas más populares en el oeste de la Isla Esmeralda, relacionada con la recolección de diferentes frutas durante el verano y el presagio de la inevitable llegada del crudo invierno. No es casualidad que la obra se desarrolle en agosto, en un pequeño pueblo ficticio llamado Ballybeg, que Friel localiza en el condado de Donegal. Las cinco hermanas Mundy (Kate, Maggie, Agnes, Rosie y Christina), todas solteras y resignadas a una convivencia forzada entre ellas, esperan como agua de mayo a su hermano, al que no ven desde hace 25 años y que ha estado durante todo este tiempo de misiones en África. Pero el padre Jack vuelve mentalmente trastornado y no siendo el idealizado durante tanto tiempo en el recuerdo de todas ellas, sobre todo por Kate, la mayor de las hermanas que toma el rol de madre sobreprotectora y fervientemente católica. Es Michael, el hijo ilegítimo de siete años de Christina, el que nos contará ya adulto esta historia de recuerdos, de cómo aquel verano del 36 cambió sus vidas para siempre y sobre todo de cómo fue una cosecha amarga lo que estas mujeres encontraron durante aquellas semanas en pleno mes de agosto.
Toda la historia gira en torno a la pequeña casa donde viven, un espacio muy limitado del que apenas salen, entre sus tareas domésticas habituales, con el eco de las habladurías sobre Michael, el padre de éste y de la llegada del hijo pródigo que les daba cierto prestigio, ante la inquebrantable moral católica del pueblo, al hogar de las Mundy. Pero nada es lo esperado y la vida se les complica más y más mientras el parroco local prohibe oficiar ninguna ceremonia al desequilibrado y enfermo de malaria padre Jack a la vez que sugiere a Kate, la única que ganaba un sustento medianamente estable, que abandone su labor docente en Ballybeg. Pero la fuerza de estos bien definidos cinco personajes femeninos nunca quiebra, aunque su escala de valores y los cimientos que sustentaban sus esperanzas de futuro se vengan abajo, su entusiasmo y su energía les hace seguir bailando en su pequeña cocina gris.
Friel, que estrenó esta obra en al Abbey Theatre dublinés en 1990, claramente confronta la Irlanda católica y la pagana, el fuerte acento rural de estas mujeres y el British de su recién (re)enconrado hermano, la incipiente guerra civil española (a la Gerry, el padre de Michael, decide acudir como voluntario católico nacional) y la nunca bien delimitada y conflictiva Irishness: la identidad irlandesa siempre dual, caótica, en constante definición entre la tradición y la modernidad.
Pat O`Connor apaptó el drama al cine en 1998 con Meryl Streep como protagonista en el papel de Kate pero sin llegar a los momentos intimistas de dolor, festividad, esperanzas y anhelos en vano que retratara Friel.
Estas semanas en Madrid, en la Sala Guindalera, Juan Pastor presenta su adaptación de Bailando en Lughnasa hasta el 14 de Marzo.

Una aproximación a Dancing at Lughnasa

Imprescindible Pou

2010-02-12T19:03:00.009+01:00

El documental de Máscaras, escrito y dirigido por Elisabet Cabeza y Esteve Riambau en 2009, es un generoso regalo para los amantes del teatro; no sólo por ser inspirador para los actores, también es una sincera reflexión sobre el proceso detallado de la puesta en escena de una obra de teatro. El documental se centra en la figura de Josep María Pou, en la creación del personaje de su última obra como protagonista: Orson Welles, su seguro servidor. Partiendo del final de aquel otro espectáculo honesto e incómodo montaje de La cabra ¿o quién es Sylvia? Por el que le valió el Premio al Actor Protagonista de Teatro de la Sociedad de Actores y enlaza, directamente, con la preparación de la obra sobre Orson Welles. Intercalando las experimentadas reflexiones del propio Pou sobre la construcción del personaje.

En otro tiempo, Stanislavski se sirvió de libros como El trabajo del actor sobre sí mismo para explicar sus experiencias personales a la hora de crear un personaje, tanto de fuera hacia dentro como de dentro hacia fuera. Stanislavski relataba la creación de Otelo partiendo de su aspecto físico: se embadurnó la cara con una pasta hecha con chocolate y manteca, hasta adquirir el tono de piel de Otelo, cuando por fin descubrió el rostro de Otelo en el espejo, comenzó a indagar sobre la personalidad del personaje, a construir los rasgos esenciales del personaje, su psicología y su comportamiento celoso.

El proceso tradicional, yo diría que también natural, para comenzar a poner en escena una obra comienza con el trabajo de mesa, la lectura del texto, el aprendizaje del texto de una forma mecánica para que una vez dominado el texto, cuando el texto fluye cómodo desde los labios y no desde la cabeza, pensar en los matices, interpretar las intenciones concretas del personaje. Josep María Pou se sincera ante la cámara, intercalando momentos de entrevista personal con otros de los ensayos. Él mismo reconoce que cuando llega algún elemento de utilería o de vestuario definitivos, el personaje adquiere una dimensión propia y poco a poco va dejando de ser el actor Pou para ser Orson Welles, con sus tics, su arrogancia natural, no hay que olvidar que Welles era un genio, no sólo como actor, su manera de crear planos, de generar movimientos internos en el encuadre, de angular la cámara para realzar o desacreditar a determinados personajes son, todavía hoy, ejemplos básico para enseñar cine. No se puede obviar fácilmente la maestría en el plano secuencia que abre Sed de Mal, esa gran coreografía y esa trayectoria increíble que nace de un primer plano y termina en un general, avanzando a lo largo de una ciudad fronteriza. Welles fue lo que llamaríamos un hombre del renacimiento. Mostrar en escena la personalidad de alguien tan complejo es sumamente difícil, casi imposible y, sin embargo, Pou va montando el Orson Welles decadente de sus setenta años.

Todo el documental es una lección magistral que debería ser de obligado visionado para los estudiantes de cualquier ESAD, por su visión global ya certera de lo que es el proceso creativo de una obra de teatro.

Podían haber sido otros actores, sin duda, pero es Josep María Pou el que con meticuloso empeño didáctico, se sincera ante las cámaras y permite que urgen en la trastienda del montaje.

La elección de Josep Marí Pou como viga maestra del documental consigue que al terminar de ver la película uno se diga: “Siempre este Pou, único e imprescindible para nuestro teatro”.

¿Progre o Cornudo?

2010-02-05T17:50:00.006+01:00

¿Y si mi novia, compañera o mujer me permitiera salir de pendoneo como cuando uno tenía veinte años? Ésta es la pregunta que muchos hombres se han hecho y les hubiese gustado responderse de forma afirmativa. Y esto es lo que el marido de Julia pretende conseguir con el fin de reafirmar su masculinidad ibérica fuera del entorno conyugal; presentarse como el más fuerte y dominante dentro y fuera del núcleo familiar.
Inesperadamente, esta es la argumentación que ha de escuchar y soportar Julia, sumida en una crisis de insatisfacción y autoestima debido a la escasa atención y atracción que muestra su marido hacia ella. La sensación de vacío la ha hundido bajo el alcohol y las pastillas, donde espera encontrar el remedio para superar el estado en el que se encuentra.
Como alternativa a la oxidada y rancia relación con su mujer, el marido de Julia encuentra la solución a su aburrida vida matrimonial: plantea la necesidad de que ambos entablen otras relaciones fuera del entorno familiar con total libertad en todos los aspectos. En vez de una pareja al uso, cerrada y limitada al binomio “marido y mujer”, espera que su relación de pareja se transforme en un nuevo modelo social, es decir, liberarse de la cansina monogamia que ostenta la primitiva, retrógrada y recalcitrante institución matrimonial y conquistar el ansiado estado de liberación sexual de sus años mozos.
La inestable relación se agrava cuando ella, guiada por los consejos de su marido, consigue entablar varias relaciones con otros hombres y descubre que aún mantiene sus encantos de mujer como el primer día. Al imitar la conducta de su marido se producirá el gran conflicto entre ambos, pero sobre todo, saltarán las chispas y las carcajadas para el divertimento del espectador.
Sobre este contexto se desarrolla Pareja abierta, una divertida historia en la que un hombre y una mujer tratan de superar su crisis sexual-sentimental. Darío Fo y Franca Rame cuestionan las transcendentales categorías morales del matrimonio planteando una situación en la que dos personajes (re)inventan este sacramento. Una comedia cuyo discurso se centra en los eternos problemas de la vida en pareja y cómo superarlos en momentos de crisis.

Producciones Imperdibles ha escogido un texto genial para llevar a escena y lo ha defendido con una escenografía e iluminación acertada, aunque, de forma sobresaliente en cuanto a dirección e interpretación. Una escenografía justa en cantidad y agradable estilo, al que acompaña un diseño de iluminación sin virtuosismos ni grandes efectos especiales que puedan ocultar carencias de otros aspectos. Jose Mª. Roca ha sido el encargado de llevar la dirección de esta puesta en escena brillante y en la que hay que destacar, como digo, la interpretación de Belén Lario y Javier Castro. Gracias a ellos y al cuidadoso detalle del director consiguen sacar del texto todo su jugo y sabor, con el fin de servir a los asistentes una copiosa ración de humor y crítica.

(Del 15 de Enero al 7 de Febrero en el Teatro Duque-La Imperdible de Sevilla)

Cuatro maneras de hacer el amor

2010-01-20T23:23:00.021+01:00

La melancolía, el amor, el desamor, la esperanza o la falta de ésta y, por encima de todo, la soledad parecen encontrar su hábitat natural en la noche. Noches de Amor Efímero presenta cuatro encuentros imprevistos, hombres y mujeres a los que una sola noche les va a cambiar la vida, tanto por su compenetración como por mostrarse todos al desnudo, con el corazón abierto y sin nada que perder. La intensidad de esta obra se apoya en la belleza de las imágenes que describe que, aunque desgarradoras, se adentran en el siempre apasionante debate sobre qué es amor, qué no lo es, en qué se basa y por qué se termina. Pero Paloma Pedrero huye de tópicos, de prototipos romanticóides desgastados y de pasiones desbocadas para explorar el amor urbano cuya banda sonora no son violines sino tubos de escape chirriantes y el ruído estridente de cualquier capital europea.
Paloma Pedrero es actriz , directora y escritora, sabe lo que es el teatro desde los catorce años y tiene publicadas más de veinte piezas de distinta temática, experimentalidad y forma. Pero todas tienen un nexo común y es la humanidad, la verdadera cercanía de los diálogos, situaciones y personajes que crea, lo que convierte su teatro en muy comprensible y cercano para prácticamente todo tipo de público adulto.
Es una autora con un marcado espíritu revisionista, haciendo pensar al lector o espectador si realmente siguen siendo validos los códigos sociales, especialmente en temas de pareja, en días frenéticos como los que vivímos. Busca puestas en escena minimalistas, donde la simpleza y la ausencia de grandes decorados o una compleja iluminación faciliten la interpretación y hagan poner todo el énfasis en el texto en sí mismo. Sus textos se leen con muchísima facilidad, la ceguera de sus personajes parece contagiosa y no sabemos realmente quién triunfa al final, si es el amor o el puro placer, si lo humano o el instinto más animal, si la racionalidad o la falta de cordura. El amor es una fuerza destructora, una fuente de inestabilidad dado su carácter efímero y desestabilizador, Paloma Pedrero lo repite y lo explica a través de los ojos, la desesperanza, la búsqueda incansable de cariño, el drama personal y sobre todo las palabras que pone en boca de sus vulgares personajes, recurriendo al metateatro en más de una ocasión.
Así surge y se acaba el amor según esta autora: en una noche. Lo efímero de este sentimiento es lo que lo engrandece pero también los que hace que sus ocho personajes guarden una huella, una herida y un sinsabor que ningún otro amor sanará. Es amor verdadero pero breve, que transforma a los que lo viven, que merece la pena vivir pero que duele.
Noches de Amor Efimero son cuatro formas de hacer el amor, cuatro corazones rotos, cuatro abrazos sin sentido, cuatro besos helados, una tragicomedia urbana, una magnífica pieza de teatro sobre la soledad, el estrés, los conflictos más humanos y el desamor de los que se buscan, se encuantran pero no se ven ni se sienten en realidad. No es el Buen Amor, es el Real Amor.

Noches de Amor Efímero con dos nuevas piezas incluídas.

Shantala Shivalingappa

2010-01-12T13:12:00.001+01:00

La sencillez y la delicadeza hecha danza.
Sobran las palabras, es suficiente con verla bailar.

Los días 15 y 16 de enero a las 20 horas en el Teatro Central.

Desde las tripas: "Una Mujer Sola" de Franca Rame.

2009-12-29T23:09:00.017+01:00

Nacer en una familia ligada al teatro de tirititeros y comediantes en Italia desde el siglo XVII tiene que marcar, indudablemente, un sino ligado a la dramaturgia sin remedio. Quizás por esto es Franca Rame tan genial, tan sublime y tan maestra en todo lo que hace, al menos teatralmente hablando. Siempre vinculada a Darío Fo, no sólo por ser su marido y co-autor de muchas de sus piezas, Rame tiene lo que se dice una vida dedicada a la farándula. Siempre valiente y transgresora, emprende cada proyecto con igual determinación, lo que le provoca el rechazo del sector más rancio y conservador de Italia en muchas ocasiones como la conocida censura de sus parodias sobre la sociedad italiana (mafia y clero inclusive) o sus monólogos sobre su propia violación (a manos de dos fascistas), experiencias como madre trabajadora y demás.
Muchos han sido los problemas a los que Rame se ha enfrentado en su dilatada carrera, llegando a ser agredidos verbal y físicamente a la salida de varias de sus funciones de teatro tanto Fo como ella misma, no sólo a manos de la derecha sino igualmente de los comunistas que no ven con buenos ojos que sus líderes políticos tengan que pasar también por el rasero de la siempre irónica (re)visión de la historia que llevan descaradamente a cabo.
Pero a pesar de los muchos sabotajes a sus actuaciones, Franca Rame ha sido, y es, muy valorada por su gremio y todos y cada uno de los amantes del buen teatro.
De sus manos han salido un gran número de textos pero son sus monólogos femeninos los quizás más representativos de su verbo y su reafirmación como mujer de principios, reinvidicativa y de izquierdas. De ahí nace Una Mujer Sola.
Una mujer de su casa, con sus rulos, su delantal y su bata, se muestra ante el público desde un balcón de su casa. Habla a una vecina que no vemos, a voces, marujeando sin descanso, con el desparpajo y el descaro que le han dado tantos años y tantas horas como la típica solitaria y medio aburrida ama de casa. Así, a primera vista, Una Mujer Sola parece un monólogo más, una buena pieza cómica que aparentemente muestra una engañosa simplicidad.
A medida que avanza el texto y/o la representación de éste, Rame desarrolla una trama de injusticia, maltrato, sometimiento y desesperación, convirtiendo la simplicidad en dolor y la rutina en una condena que debe padecer sin remedio.
Se percibe sin tapujos la poca humanidad de la situación pero Rame sabe dar giros potentes, sabe que lo cómico es poderoso, que la risa es la mejor arma femenina cuando llorar ya no sirve. Juega con el humor negro, la ironía y llega al cinismo en muchos momentos, mezclando sencillez y contundencia, la calidez de esta mujer y el feminismo, lejos de radicalismos, al que apela constantemente entre líneas.
Llegamos a pensar que se arrojará al vacío, que los constantes abusos sexuales y vejaciones a las que se ve sometida a diario no las soporta nadie humanamente en sus cabales, pero Rame sabe manejar al lector/ espectador, sabe meter el dedo en la llaga y buscar ese sentido del humor que hace que esta mujer no se vuelva completamente loca y desespere ante semejante círculo vicioso.
La autora desnuda a su protagonista, le mete las manos en las entrañas y saca sus gritos en forma de palabras, frases y gestos cargados de realidad, provocando la inmediata identificación con tantas y tantas sin nombre.
Las palabras de esta Mujer Sola se agarran a la garganta del que las oye, lee e, inevitablemente, siente, demostrando una vez más como Rame es La Maestra, la gran dama del teatro escrito por mujeres en Italia y cómo conquista, muy poco a poco, a cada cabecita medio inteligente que se le pone por delante. No es un monólogo más sobre el maltrato femenino: es un melodrama grotesco, es una bofetada con la mano bien abierta para los muchos Enrique Lynch, encubiertos o no…

Elkafan de Carmen Pombero León: Un discurso (com)prometido

2009-12-14T11:23:00.019+01:00

Existe un vínculo inevitable entre el texto dramático y su representación, lo que, en palabras de Kurt Spang, convierte al teatro en un fenómeno plurimedial. Pero luego existen las autoras como Carmen Pombero León, joven dramaturga nacida en Sevilla con un amplio y heterogéneo corpus de obras publicadas, que evocan todos los canales posibles de comunicación sólo con el poder de la palabra. Así, a través de sus manos el teatro se puede ver, oír e incluso oler, tocar y saborear de alguna manera utilizando exclusivamente una constante: escribir buen teatro.
Leer un texto dramático es un reto diferente; los códigos del lenguaje teatral son, a primera vista, más fríos, mecánicos e incluso aburridos pero ahí reside la magia de este género: la libertad que regala al lector para convertir en imágenes los actos, personajes y acotaciones que la autora, en este caso concreto, evoca. Con Carmen Pombero León es esa una tarea terriblemente fácil y enriquecedora.
Elkafan, con la que obtiene el premio Mª Teresa León a la mejor autora de habla hispana en 2003, se divide en trece escenas y un prólogo de tres actos en los que seis personajes tratan la intolerancia y evidente falta de entendimiento entre las culturas hispana y musulmana hoy día, invitando directamente a tendernos la mano por el bien de todos.
Explica la propia autora que es la sábana mortuoria en el rito funerario musulmán el que da título a la obra, cuyo argumento gira en torno a la construcción de un cementerio para dicha religión tras el que políticos y constructores esconden en realidad sus tristemente habituales artimañas.
Mercedes, alcaldesa con un aparente fuerte cargo de conciencia por querer cumplir la difícil promesa de hacer realidad este reto en un terreno al lado de la mezquita, tiene que enfrentarse a Cayetano, empresario de la construcción sin escrúpulos que pretende construirlo en un estercolero para no expropiar parcelas más exquisitos e interesantes para él mismo.
Por otro lado, Abbiba cuida de su hermano enfermo, Muhammad, quien teme no poder ser enterrado en el cementerio prometido ante la inminencia de su propia muerte.
Es Ali, el imán, la clave de la obra, siempre determinado y fiel ante las palabras incumplidas de la alcaldesa y firme frente a las críticas de los vecinos xenófobos y temerosos de la cada vez más numerosa población musulmana. Sus charlas con Hassan, hijo del moribundo Muhhamad, son el eje conductor de la obra, siempre pendiendo del hilo de la violencia que el joven justifica ante los desaires de la alcaldesa y el pueblo en general. El conflicto de identidad de este chico, musulmán de corazón pero español de nacimiento, le crispa continuamente, sufriendo la diáspora marroquí al pertenecer él mismo a la tan sólo segunda generación de inmigrantes musulmanes en Andalucía. Sentimientos encontrados que empeoran a medida que la construcción del cementerio se aleja, como si los muertos tuvieran el poder de paralizar a los vivos en el sentido más modernista del propio Joyce. Todo culmina con la autoinmolación de Hassan en ese lugar.
Con acotaciones precisas, detallando los sonidos, vestuario, talante, escenarios, semblante e incluso la iluminación, Carmen Pombero escribe un teatro cotidiano, sencillo de sentir, leer, vivir y ver como espectador.
La autora mete el dedo adrede en la llaga de unos de los temas más cotidianos, pero no menos conflictivos y polémicos, con los que convivimos la mayoría hoy día, dejando siempre el espacio que el lector y/o espectador reclama para esbozar su propio juicio y opinión.
Es literatura, es teatro y es debate lo que crea Carmen Pombero con su verbo, alentándonos al enriquecedor ejercicio de la lectura dramática, tan desgraciadamente en desuso hoy día.

La Divergencia en el Teatro y el Teatro como Autopía.

2009-12-07T23:48:00.006+01:00

Los seres vivos evolucionan porque son capaces de criticar su entorno para competir por la supervivencia. La crítica está presente en la naturaleza y el pensamiento, de lo contrario aún disfrutaríamos, movidos por los impulsos naturales, de hermosos paseos de rama en rama. Ese aspecto tan peculiar que nos caracteriza consiste en descubrir las contradicciones de las cosas. Hay que conocer, pensar y juzgar si no queremos acotar nuestro universo cultural. George B. Shaw supo expresarlo correctamente: “donde todos piensan lo mismo ninguno piensa nada.”
La divergencia rompe las barreras de la ciencia y la filosofía para asentarse, de forma permanente, en el poso de casi todas las obras artístico-literarias, entre ellas la representación teatral.
El teatro es enteramente humano y por ello posee aspectos que comparte con el hombre: artísticos, estéticos o filosóficos. La dramaturgia no es un tema filosófico aunque se presta a ser tratada como tal. En cierto modo, esta manifestación cultural alcanza dimensiones holísticas.
Las diversas lecturas generadas del análisis del teatro indagan en torno a la finalidad de la obra y su naturaleza. Algunos afirman que el teatro tiene la función de purificar las pasiones y calmarlas; otros que todo lo contrario, que las exacerban y por eso las prohíben; por otro lado, hay quienes centran su atención hacia una consideración moral del teatro, de modo que sean ejemplares y didácticas; otros autores abordan el hecho desde una visión técnico-normativa o incluso con valores sígnicos. Puntos de vista que dan cuenta de la dimensión del teatro y las potencialidades de ese mundo ficticio-real.
Es evidente que la representación teatral, al igual que otras actividades artísticas, se presenta como un portal a través del cual el autor se pronuncia y proclama su manera de ver el mundo. Pero la utilidad de la obra no queda ahí, con el tiempo se convertirá en un documento que hablará de nosotros, en una huella humana de un tiempo pasado. Se revelará como una fuente de información sobre las cosas que nos preocupaban o que anhelábamos. Este accidente humano, el arte en general, constituye el espejo de la humanidad: donde observarse, reconocer sus logros y criticar sus imperfecciones. Amor, sociedad, política, o incluso la religión vienen a ser temas recurrentes en el teatro y encarnados por sus personajes.
La materia del teatro no es de naturaleza rocosa, más bien se asemeja a la arena movediza. Nada existe ni se crea gratuitamente en el entorno cultural del hombre. El teatro es un arte comprometido. Como manifestaba Juan Mayorga: el hecho teatral es un acto político, se debe completamente al ciudadano. Por eso, la obra teatral invita a sopesar las ideas partiendo de la crítica hasta alcanzar la utopía: he ahí su esencia.
Así, el acto teatral se convierte (re)visión colectiva, puesto que la representación necesita de espectadores. No hay que considerar al teatro como reflejo de comportamientos morales aceptados socialmente, sino que el teatro debe cuestionar los principios morales que la sociedad se impone para someterlos a una crítica constructiva.
De esta forma el teatro llega a ser autopía dada su naturaleza espectacular. El sistema de valores que subyace en el texto se ejecuta en la representación real, en presente y en movimiento (actores, objetos, decorados…) cuya finalidad consiste en la mostración de una visión utópica de la realidad. El espectáculo fraguado entre los actores y espectadores como fenómeno metaliterario, una utopía representada: una autopía.
A partir de aquí, sólo queda al espectador determinar cuál es el sentido de esa autopía, si aspira a ser eutópica o distópica.

La intimidad al descubierto

2009-11-29T11:17:00.002+01:00

Lo que permite la danza a los que desconocemos sinceramente el código de las coreografías es alimentar la imaginación más voraz y permitirnos participar como voyeurs del ejercicio íntimo de la cotidianidad.
Espérame despierto aviva las dos, la interpretación libre de lo que sucede en escena y el sentimiento, a veces incorrecto, del mirón; ¿pero qué espectador se salva de ser un fisgón desde el momento en el que se sienta en una butaca?

Una pareja aguarda bajo el silencio, apenas iluminados por la luz difusa de unos ventanales. Parecen lejanos, tal vez hostiles. Como dos desconocidos se miden desde lejos, hasta que ella avanza decidida para arrebatarle un instrumento. Desde ese momento la música empieza a sonar en sus vidas, acompasando el diálogo de bailes que los acerca, violenta o seduce.

Ayudados por elementos mundanos, una lluvia de cubiertos, un violín y un bandoneón, la obra nace callada y va tomando voz para crecer en ritmo y humor hasta llegar a momentos virtuosos a nivel técnico y delicados a nivel de personajes.
El fuelle del bandoneón parece respirar en la pareja hasta llegar al dúo musical coreografiado, en el que la pareja, ya enlazada, expresa con suavidad el roce íntimo de las caricias, el mimo de compartir una misma respiración, sin dejar de lado la ironía: ¿Quién maneja a quién? Él llega a ser la sombra de ella en una sensacional coreografía, pero toda relación es una balanza, en ocasiones se inclina hacia el dominio de ella y en otras será él el que domine la situación, en un equilibrio siempre entrañable.

El sentido del humor se respira continuamente, aunque al ser una historia tan personal y profunda, el espectador no sabe si reírse libremente o esconder la risa bajo otra apariencia para no ser descubierto en su oficio de mirón.

Espérame despierto es un espectáculo muy recomendable para acceder al universo de la danza y MOPA, el dúo formado por Juan Luis Matilla y Eloísa Cantón, posee una técnica admirable, en ocasiones parece más cerca de la acrobacia que del baile, pero siempre cuidadosa y poética, haciendo que lo difícil parezca fácil, natural y fluido.
La danza tiene unos códigos muy concretos que pueden ser utilizados con la finalidad de crear un diálogo complejo e inalcanzable para el espectador nada acostumbrado al baile y, sin embargo, MOPA consigue acercar este lenguaje al espectador novel.

espérame despierto from Guillermo Marrufo on Vimeo.

Soy una mopa

Coreografía y dirección
Juan Kruz Diaz de Garaio Esnaola

Concepto
Eloísa Cantón, Juan Luis Matilla

Coreografía e interpretación
Eloisa Cantón, Juan Luis Matilla

Diseño de iluminación
David Linde

Aphra Behn: La Primera Punk.

2009-11-14T18:42:00.040+01:00

There is no sinner like a young saint.
APHRA BEHN, The Rover.

A pesar de no ser realmente conocida en España, exceptuando los estudios filológicos en lengua inglesa, Aphra Behn fue la primera mujer en vivir de la literatura, en firmar sus obras con su nombre real y en producir un amplísimo número de piezas, especialmente teatrales, desde 1670 hasta su fallecimiento.

No fue sólo dramaturga sino novelista, poetisa, espía del rey Carlos II de Inglaterra en Bélgica y una muy influyente figura de la Restauración inglesa. Fue ésta la época en que la mujer comenzó a aparecer en escena, como actriz y autora, pero ninguna con la valentía, clarividencia y, por qué no decirlo, descaro con el que lo hizo Aphra Behn. De hecho, tuvo el beneplácito y admiración de los dramaturgos más famosos de aquellos años como Edward Ravenscroft, Thomas Otway o Nathaniel Lee.

Behn, como ya lo hicieran las españolas Ana Caro o Feliciana Enríquez de Guzmán en el Siglo de Oro, no luchaba contra un repertorio teatral enteramente creado por hombres, no era feminismo propiamente dicho. La autora era más sutil, presentando, como hicieran las dramaturgas españolas contemporáneamente, protagonistas femeninas virtuosas y mucho más inteligentes que los personajes masculinos, pero el poder seguía recayendo en manos de éstos por una mera cuestión de violencia y tradición. Al fin y al cabo, era ésta también una manera de apoyar la independencia intelectual y el principio de la sublevación femenina, al menos literariamente hablando.

Así, los temas que trataba Behn eran los mismos de sus colegas pero su astucia y destreza a la hora de plasmarlos la hacían especial. Para llegar a tener el éxito que tuvo ante la audiencia masculina, las situaciones que presentaba eran tan vulgares como las de sus rivales literarios pero sus personajes femeninos eran menos pasivos y más perspicaces e incluso reforzaba el lado femenino de los actores o dramatizaba con varones cuya líbido sexual era revelada bajo bufones, matones y poses donde la masculinidad extrema rozaba el ridículo. Este ingenio distaba mucho de lo esperado en una autora teatral de la época, que se suponía no podría jugar tan hábilmente con las palabras.

Sus textos van de la tragicomedia de El Principe Amoroso (1671), al interés por la historia sudamericana inca peruana (La Reina India 1664) que retoma en su tan conocida novela Orinoco (1688), pasando por la descarada El Amante Alemán (1677). Aún así, sus grandes éxitos son El Rover (1677), la comedia Sir Patient Fancy (1678) y la política The False Count (1681). Pero es, sin duda alguna, Un Golpe de Suerte (1686), en la línea de El Matrimonio Forzado (1677), su obra más comprometida e innovadora. Nadie como ella trató un asunto tan peliagudo, pero real como la vida misma en pleno siglo XVII inglés, como era el matrimonio concertado. El valor de este texto reside en su valentía e inocencia a la vez, al tratar el asunto con tal naturalidad que impactó desde el principio al público de la época. Pero su éxito también debe una gran parte a la fiel financiación del Duque de York, entregado mecenas a la obra de Behn.

Nadie tuvo tantas obras en escena en la Restauración inglesa como Aphra Behn, ni siquiera los autores que tanto han destacado sobre ella en los libros sobre literatura inglesa como es el caso de propio Dryden.

Creadora de al menos veinte piezas de teatro, valiente, osada, transgresora y culta, fue esta autora la primera en tener una habitación propia, sentando las bases de muchas otras como la propia Virginia Woolf, quien la alaba y retoma directamente el legado como mujer entregada a la literatura de la manera más independiente posible.

La primera punk, poetess-punk la llamaron, pero no en el sentido que todos conocemos sino como whore (puta, tal cual) por ser considerada una falacia que esta mujer "vendiera" su vida en un mundo de hombres. Afortunados somos todos de tener heteras de tan alto valor dramático e intelectual.

The Aphra Behn Page

Erudición vs intelectualismo

2009-11-08T13:20:00.013+01:00

Sorprende apreciar que dentro del tradicional elenco construído en torno al teatro del Siglo de Oro encontremos la producción artística de figuras femeninas. Así ocurre con la pieza teatral Las Gracias Mohosas, un entreacto cuya autoría pertenece a Feliciana Enríquez de Guzmán, una de las dramaturgas que contribuyó, con particular estilo, al auge y desarrollo de la comedia en el Siglo de Oro. Esta figura, desconocida y olvidada de este periodo literario, no pasó desapercibida para sus coetáneos. Lope de Vega la tenía muy en alza al considerarla mujer emprendedora y de apetencias intelectuales. Se cree que asistía a clases en la Universidad vestida de hombre. Su rescate viene a convertirla en mujer que llena de aire renovador la comedia con piezas como ésta.
El carácter y rebeldía de esta autora permanece latente en su producción literaria, y el entreacto Las Gracias Mohosas responde a ese estilo particular que muestra en el tratamiento de los temas y la presentación de los personajes. En esta obrita, los pretendientes de Aglaya, una de las Gracias, se enfrentan en duelos y justas poéticas para conseguir el matrimonio con ella. El padre de las Gracias, Baco, acepta con esperanza el compromiso con los pretendientes. Al final, todas aprovechan la ocasión y esperan sacar un marido de estos juegos. El cuerpo de pretendientes lo forman un coro compuesto por un cojo, un invidente, un hombre de escasa altura, unos clérigos borrachos y un tartamudo. Los personajes de las Gracias no merecen descripción, bajo su epíteto desvelamos la calidad de su hermosura. En esta historia no vamos a encontrar personajes que descubren una verdad hiriente o complejos enredos que desencadenan continuas sorpresas. En esta comedia, la historia desarrolla una acción lógica y lineal, es decir, sin giros ni nudos gordianos. Lo relevante descansa en la imagen que presenta: los elevados personajes de la mitología clásica y de la seria erudición llevados a la más baja representación, la de hombres y mujeres de carne y hueso con sus terrenales defectos. Transgresión de los más altos valores mitológicos a través de sus respectivos representantes del entorno mundano. De ahí surge lo cómico, la burla que nace de la erudición contra el intelectualismo de la época. Una estampa satírica de unas Gracias mohosas empeñadas en tomar esposo. La lectura del discurso se justifica dadas las circunstancias históricas que sufrió su autora y, en un alarde jocoso, por su dominio y conocimiento en torno a los temas mitológicos. Una parodia a través de personajes grotescos insertos en un marco mitológico. En cierto modo se trata de un mundo al revés, una inversión de valores que provoca la carcajada sana, sobre todo, por su indecoroso y revolucionario final.
Si la lectura de la obra arranca la risa recatada, su representación no lo es menos, la compañía sevillana Teatro del Velador pone en escena esta obra con cuidado esmero, superando las expectativas del texto escrito. Una puesta en escena sencilla: entre el ambiente áulico, decorosos candelabros, sillas y una iluminación parca y justificada se delimita la acción de los juegos y justas poéticas de los personajes. Bajo la dirección de Juan Dolores Caballero y la interpretación de sus experimentados actores, el texto se hace representación para el docere y delectare del imprescindible público.

Teatro del Velador

3ª Muestra de Teatro Andaluz en El Puerto de Santa María

2009-11-07T21:59:00.001+01:00

3º MUESTRA DE TEATRO ANDALUZ NOVIEMBRE DE 2009

Espectáculos en el TEATRO MUNICIPAL PEDRO MUÑOZ SECA
(Plaza del Polvorista, 4)

Inauguración Lunes 9

CABARET LÍQUIDO Laví e Bel
(Premio Max al Mejor Espectáculo Musical)

Martes 10

DIVINAS PALABRAS Atalaya Teatro

Miércoles 11

DRÖPPO Teatro del Velador

Jueves 12

NN12 Remiendo Teatro

Viernes 13

MARÍA ESTUARDO La Fundición

Todos los espectáculos comenzarán a las 21:00 h.

Espectáculos en la SALA LEVANTE – Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca
(Plaza del Polvorista, 4)

Martes 10

LA BUHARDILLA DE LOS CISNES Kalina Teatro

Miércoles 11

BLANCO-CO Maluka Peka Teatro LALÚ Lasal Teatro

LOS CORDEROS Histrión Teatro

Jueves 12

PAPOBO Grupo Teatral Arteatro

Viernes 13

BLANCANIEVES Siesta Teatro

BARQUICHUELO DE PAPEL La Canela

Todos los espectáculos comenzarán a las 13:00 h.
excepto LOS CORDEROS que lo hará a las 19:00 h.

Espectáculos en la SALA ALFONSO X – Centro Cultural Alfonso X “El Sabio”
(C/ Larga, 89)

Martes 10

VOLPONE O EL ZORRO El ojo de bululú

Miércoles 11

ASÍ QUE PASEN 5 AÑOS Manuel Monteagudo

Jueves 12

LOPE A LO PETIT De Puntillas Teatro

Viernes 13

LA REINA DE LA BELLEZA DE LEENANE Gloria López Producciones

Todos los espectáculos comenzarán a las 17:00 h.

Espectáculos en la SALA SAN LUIS – Edificio San Luis
(Plaza del Ave María, 2)

Martes 10

GALILEO Proyecto Lear

Jueves 12

EN EL MONTE DEL OLVIDO Caín Club Teatro

Viernes 13

PATADAS Proyecto Handke

Todos los espectáculos comenzarán a las 19:00 h.

Espectáculos en el ESPACIO 7 ESQUINAS – Bodega El Patio de las 7 esquinas (C/ Bolos, 1)

Martes 10

CIRKEA Manolo Carambolas y Rolabola

Miércoles 11

LA NARANJA COMPLETA Tenemos Gato

Jueves 12
LA MALETA DE LOS NERVIOS Chirigóticas

Viernes 13
LA HORA FELIZ Caramala

Todos los espectáculos comenzarán a las 00:00 h.

Taquilla del Teatro Municipal Pedro Muñoz Seca (Plaza del Polvorista, 4):
miércoles a viernes, de 17 a 20 h.
Días de espectáculo hasta las 21 h.
Venta telefónica en el 956 483 735 (horario de taquilla).

Entradas: 8 € (general) y 4 € (funciones teatro infantil).
Abonos: 10 € (5 espectáculos) y 20 € (10 espectáculos).

Información: 956 483 730 - cultura@elpuertosm.es – www.elpuertodesantamaria.es (enlace Cultura)

ORGANIZA: Empresa Pública de Gestión de Programas Culturales de la Consejería de Cultura. Junta de Andalucía.

COLABORA: Fomento y Promoción Cultural. Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de El Puerto de Santa María

¿Cuántas autoras de teatro no contemporáneo conoces?

2009-10-30T10:28:00.050+01:00

El teatro en lengua castellana parte de una tradición androgénica, no por falta de autoras con talento sino por la más que conocida devaluación de las creadoras hasta hace relativamente poco tiempo. No es este el momento para discutir si hay teatro femenino o masculino pero lo que parece indudable es el desconocimiento del legado dramático creado por mujeres, especialmente durante el Siglo de Oro.
Hacer oír estas voces es una deuda cultural aún no pagada. Fueron muchas las silenciadas aunque otras, afortunadamente, no cayeron en el absoluto anonimato. Es el caso de autoras como María de Zayas, Leonor de la Cueva, Feliciana Enríquez de Guzmán, Ana Caro (ambas sevillanas) o Sor Juana Inés de la Cruz.
Normalizar los textos de estas autoras en la escena de nuestro país es una tarea que se está llevando a cabo poco a poco pero son escasos, y difíciles de encontrar a menudo, los estudios, crítica e incluso los textos de estas autoras por increíble que parezca; la mayor recopilación es la llevada a cabo por Manuel Serrano y Sanz.
Todos conocemos grandes actrices (ya desde el siglo XVII se habla de divas de la escena) pero caso distinto es sacar a la luz creaciones de mujeres dramaturgas. De hecho, muchas de estas autoras se veían obligadas a escribir desde la vida conventual, sitio que les aportaba sustento, aislamiento y un mayor acceso a las letras.
Autores como Juan Antonio Hormigón afirman que hay constancia de la existencia de más de treinta autoras en el XVII y al menos sesenta en el siglo que le sigue y son las autoras del Siglo de Oro las que asientan las bases de este florecimiento que, afortunadamente, llega hasta nuestros días.
Así, el talento de estas creadoras es doblemente meritorio, no sólo por su ingenio y rara belleza sino, sobre todo, por conseguir crear piezas dignas a pesar de un acceso tan restringido a la cultura y la creatividad literaria en general. La universidad era terreno vedado y así surge la leyenda y posterior comedia de Lope de Vega La Fénix de Salamanca que, asegura Serrano y Sanz, muy probablemente fuera Feliciana Enríquez de Guzmán esa mujer que se viste de hombre para poder estudiar en aquella universidad.
Son autodidactas y críticas pero no feministas. Siguen modelos masculinos de autores varones pero, obviamente, aportan un punto de vista femenino con roles de mujeres activas que manejan los enredos y solucionan los finales de estas obras, comedias en su mayoría (de hecho, el pasado sábado 24 la compañía Teatro del Velador representó la desternillante Las gracias mohosas de Feliciana Enríquez de Guzmán en el Felipe Godinez de Moguer). Relegan a los varones a papeles de hombres indecisos, pretenciosos y pasivos.
Supieron mantenerse en un mundo de hombres, superar barreras familiares y sociales, recelos de otros autores, soledad y una evidente dificultad para acceder libremente a la cultura y por todo esto merecen ser rescatadas del olvido y es ésta una labor que no ha hecho más que comenzar.

La traición en la amistad de Doña María de Zayas y Sotomayor

Doña Feliciana Enríquez de Guzmán y sus fuentes literarias, artículo de Piedad Bolaños Donoso

Tras el espejo la musa escribe: lírica femenina de los Siglos de Oro, artículo de Julián Olicares y Elizabeth Sievert Boyce

Eduardo II: Permutaciones de la diferencia.

2009-10-24T14:53:00.009+02:00

Se ha hablado tanto de qué aporta la novela al cine y viceversa que pocos han sido los que se han planteado este tema cuestionandose otro matiz: ¿y si adaptamos una pieza teatral al lenguaje cinematográfico? ¿qué sucede entonces?.
Eduardo II, de Christopher Marlowe (coetáneo de Shakespeare y, personalmente, algo más osado y transgresor), se asienta en las premisas y características de tragedia aristotélicas casi a raya. Así llegó a las manos de Derek Jarman que, lejos de adaptar un clásico del teatro renacentista en lengua inglesa, ofrece su propia versión de la vida de este rey, sin utilizar, obviamente, los personajes estereotipados que Marlowe explotara en su obra.

Jarman, abanderado del cine queer (de hecho utiliza escenas sexuales gays bastante explicitas), presenta un Eduardo II afeminado y atormentado. Es su Queen Elizabeth particular pero muy lejos de la misoginia de Marlowe.
Si el espectador da un paso más allá verá el cine de este director como un híbrido, mitad drama mitad reivindicación. Las circunstancias personales de Jarman, que no mucho después fallecería de sida, le empujan a llevar el drama al extremo, explorando la homofobia y pavor hacia el VIH en los 90s a través de esta tragedia inglesa.
Así, Marlowe da el primer paso al tratar la homosexualidad masculina de manera abierta en pleno siglo XVI inglés y es Derek Jarman quien va más allá, adentrándose en el universo queer a través de un triángulo amoroso real, en el doble sentido de la palabra, con una estética gay pero austera, apasionada y muy minimalista. Incluso recrea pinturas como Los fusilamientos del 3 de Mayo (Goya) o El buey abierto en canal (Rembrandt), alegoría de la muerte y la traición.
No se si es esta una entrada muy apropiada para un blog centrado en la dramaturgia... Todo comenzó como una reflexión sobre las adaptaciones cinematográficas de obras de teatro reconocidas pero es que si algo tiene el cine de Derek Jarman es que no deja indiferente absolutamente a nadie y, desde luego, tiene una potente base dramática.
Dicho queda.

Teatro humano

2009-10-23T20:12:00.001+02:00

Daniel Veronose tiene un dilatado y excelso curriculum como dramaturgo y director de escena. Durante años dirigió ese proyecto innovador de titiriteros denominado Periférico de objetos, acaba de estrenar con Histrión Teatro en Sevilla y está preparando Glengarry Glen Ross para el Teatro Español. Reconocido en medio mundo busca la trasgresión comedida, como el pintor que decide romper con su etapa ortodoxa después de mucho tiempo, pero todavía mantiene retazos de ortodoxia. Su teatro es desnudo, no tiene música, apenas juega con la iluminación, más bien alumbra, la escenografía es única y no tiene cambios, de hecho, habitualmente recicla la escenografía, como una forma de deliciosa provocación, volver a meter en el mismo espacio otra historia, como si todas muchas de las historias que quiere contar estuvieran situadas en el mismo edificio. En esta obra utiliza la misma escenografía que en Un hombre que se ahoga y Espía a una mujer que mata dos versiones libres de Tres hermanas y Tío Vanía de Chéjov. La inventiva de Veronese no tiene límites y es, según declara el grupo Histrión, un hombre generoso.

Histrión Teatro lleva desde 1994 desarrollando un teatro inteligente y sincero, basado en el peso actoral, en la energía dramática de la interpretación, en el intenso modelaje del cuerpo, la voz, la actitud y el gesto, en la sinergia del grupo. Sobre el escenario, esa unión se transforma en comunión explosiva y se apoya en un texto perturbador que sumerge al público en una irónica confusión que transita el surrealismo, la comedia histriónica y el drama familiar.

El texto se aleja de la estructura aristotélica, salvo por la continuidad de la jornada, pero Daniel Veronese tiende a comenzar sus espectáculos de una forma peculiar, in media res, no surgen de la oscuridad, no vienen de un alumbramiento, sino que alguno de los personajes están ya en escena, mientras los espectadores terminan de acomodarse y entonces, de repente, la obra continúa y el público se descubre como lo que es, un mirón, un voyeur irredento, es lo que define el propio Varonese como “la sensación de estar viendo algo indebido”. Bajo ese mismo concepto, Varonese rompe con la tradición teatral de colocar a los actores siempre mirando al público y en un momento determinado, cuando tienen un parlamento importante que decir, se ponen de espaldas al público, al observador indebido.

La obra comienza con el hecho confuso, ese momento dramático en el que lo que sucede en escena parece no tener sentido y produce una incómoda sensación en el espectador, que se siente confundido y que lleva a preguntarse: ¿Qué demonios pasa aquí? Cuestión que fundamenta el interés morboso del espectador para no abandonar la butaca. Porque ese momento inicialmente desconcertante hay más información oculta que presente y el espectador, voyeur y chismoso, quiere, necesita conocer.

Histrión Teatro es un teatro de actores y sus propuestas escénicas buscan indagan y nadan en nuevas posibilidades, huyendo del estancamiento, ya se pusieron en manos de Juan Dolores Caballero para representar El amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín, en el que rendían un homenaje al teatro butoh, o El casamiento adaptación de la obra de Chéjov particularmente agitanada. Ahora, en manos de Daniel Veronese, encuentran otro modo de representar la vida, un poco más asfixiada, en un espacio escénico reducido, casi un cuadrilátero que viene marcado por una moqueta y una puerta que ni siquiera es una vía de escape, es una salida al horror, a la realidad violenta que acecha fuera, la ferocidad humana, que es el destino final de Gómez, aparentemente infeliz, pero también infame, capaz de abandonar novia y amigo sin explicación alguna. Es complejo para un equipo artístico trabajar en un espacio tan reducido, ellos mismos confiesan que fue lo más difícil, moverse en un lugar tan limitado y tan compartido y al mismo tiempo con tanta tensión dramática.

Hay que felicitar a todos los actores por su trabajo, pero no se puede obviar la atracción formidable que ejerce la presencia escénica y el carisma de Gema Matarranz como Berta.

Nuestros mejores deseos para el siempre difícil futuro de mover este espectáculo, sabiendo lo difícil que resulta tener que demostrar en cada nuevo estreno que un grupo como Histrión no es, desde hace muchos años, un grupo de aficionados, sino una compañía profesional con una propuesta que asegura calidad.

Los corderos

de Daniel Veronese

Dirección: Daniel Veronese

Reparto: Gema Matarranz, Manuel Salas, Elena de Cara, Paco Inestrosa, Enrique Torres

Escenografía: Áñvaro Gómez Candela

Diseño de iluminación: Juan Felipe Agustín

Histrión Teatro

El Absurdo Revisitado

2009-10-21T20:57:00.013+02:00

Partiendo de la idea "si no hay discusión, no hay teatro", Naturalismo y Teatro del absurdo no son contrapuntos sino dos corrientes que se dan la mano al representar ambas el mundo realmente, cada una con una versión estética radicalmente diferenciada.

Necesitamos escapar de visiones simplistas de toda expresión artística y en el mundo teatral, como en cualquier otro, todas las teorías se pueden reconciliar; de hecho, se complementan y necesitan si el lector pretende realmente indagar en el universo dramático.

El Teatro del absurdo es más que estética y tampoco es completamente subjetivo. Enrique Herreras se adentra en figuras tan reconocidas como Pinter, Beckett, Ionesco y Adamov, siempre de la mano de la tolerancia y la libertad necesarias para enfrentarse a este género, siguiendo los pasos antes dados por dadaístas y surrealistas.

El teatro es autonomía, inteligencia y, en el caso del Absurdo, mostrar no sólo lo visible, lo obvio, sino, tal y como magistralmente hace Herreras citando a Brook: "podría llamarse teatro de lo invisible-hecho-visible".

Por todo lo anterior, Una lectura naturalista del teatro del absurdo es, simplemente, altamente recomendable.

Modos de afrontar la puesta en escena.

2009-10-20T22:14:00.002+02:00

En este artículo, Valle-Inclán explica el esperpento, pero además, indirectamente, explica el modo en el que debemos acercarnos a los personajes de una obra cuando queremos ponerla en escena. Dependiendo del punto de vista que escojamos, así será nuestra puesta en escena, tener claro desde el primer momento a qué altura colocamos los personajes de la obra nos permitirá tener una idea clara de la puesta en escena. Sin esa claridad en los planteamientos inciales, la obra puede convertirse en un pastiche indeseable para el público. El público de teatro, por regla general, tiene un gusto delicado y no permite la inconsistencia o el desorden, la falta de estudio de los personajes, ni la ligereza con la que es construida la representación. La reflexión es imprescindible y este texto nos puede ayudar a definir el punto de vista, la altura moral de los personajes, desde la primera lectura de un texto,

Descargar el texto desde ABC.

Clase magistral de antropología

2009-10-19T19:44:00.002+02:00

Desde hace años, Rafael Álvarez "El Brujo" se enfrenta en solitario al público. Resulta tremendamente complicado para un actor salvar un espectáculo a solas. Un actor debe sentirse muy seguro de sí mismo, para lo cual hace falta pisar muchas tablas, o no tener otra alternativa, por cuestiones económicas, para decidir enfrentarse a solas con la complicidad del público. Tanto El Brujo, como Leo Bassi o Pepe Rubianes, sin comparaciones de estilos sólo de presencia, han ido creando un metapersonaje como modelo de representación moderna en el que los límites del teatro se rompen, no sólo la cuarta pared queda rota desde el primer momento, construida en el XIX y destruida algún tiempo después con el teatro de vanguardia; además, lo que hacía Rubianes y lo que hacen Leo Bassi o El Brujo es mostrar las costuras de la teatralidad mezclando rasgos de su propia personalidad con los del personaje, con la ficción de la trama. Es como cuando Müller escribe en 1977 Máquina Hamlet y comienza el texto diciendo: "Yo era Hamlet", rompiendo toda distancia entre personaje y actor, entre actor y público.

Conociendo esta particularidad de El Brujo, la gente acude a verlo interpretar lo que sea (como a Bassi o Rubianes) porque el público es incondicional a la grandeza de su oficio.

El testigo es la historia de Miguel Pantalón, un cantaor con mucha personalidad, pero de ahí a ser encantador... vamos, hombre. Como solía decir el propio Pantalón: «yo estoy en otras cosas, estoy en el bulto (...), estoy leyendo quince libros sin saber leer, veo sitios, veo los muertos, veo tó»

La obra de Fernando Quiñones, ese Marvin Harris de Cádiz, se convierte, en manos de El Brujo, en un pequeño diamante que homenajea nuestro folclore, pero no desde lo chabacano y lo grotesco, como están acostumbrados a vender nuestros queridos ideólogos de la patria chica, sino desde el profundo análisis de caracteres que habitan en las tabernas y este Juan, el protagonista, el testigo de las hazañas de Miguel Pantalón, es uno de esos individuos que habitan en las tascas, regados por el aroma de la madera mohosa y el vino, que tienen la vida llena de anécdotas de otros que contarte, que se sirven de la hipérbole, las onomatopeyas, los gestos y, sobre todo, del circunloquio y la redundancia, para contar los avatares de Miguel Pantalón, que en paz descanse.

Esa oralidad tabernaria, homenaje a dionisio (o a Baco) es el origen de la representación y, por ende, del teatro, la celebración comunitaria de un mito, de un ídolo, en este caso Miguel Pantalón, un cantaor que ni era guapo ni era feo, más bien "guapo afeao" y con genio y orgullo como para hacer pedazos un billete de quinientas pesetas. Quiñones escribía de un modo prodigioso, poseía una capacidad inusitada para relfejar la oralidad de los personajes, de tal forma que leyendo El testigo o Las mil noches de Hortensia Romero, uno escucha las voces de estos personajes, como atestigua El Brujo en el texto de presentaciónd de la obra.

Esta obra tiene el don de reflejar la hondura andaluza con humor, sentimiento e inteligencia, de tal forma que la imagen, en ocasiones histriónica de ese Juan, el testigo, no deja en mal lugar la raíz y el folclore andaluz, como sucede en otras muchas ocasiones donde el andaluz es únicamente el chistoso sin más, sin reflejar la complejidad que existe en nuestra idiosincrasia.

No se la pierdan.

El testigo

de Fernando Quiñones

Adaptación,

dirección e interpretación:

Rafael Álvarez "El Brujo"

Diseño Escenográfico:

Equipo Imagen escénica PEB

Diseño de iluminación:

Miguel Ángel Camacho

Rafael Álvarez "El Brujo"

El teatro indómito

2009-10-18T10:56:00.005+02:00

El teatro tiene que ser incómodo. Es una máxima que tiene -que debe- regir toda creación dramática. El drama nace del conflicto, del enfrentamiento directo entre dos personajes. Dicho enfrentamiento provoca un conflicto que tendrá que resolverse, inclinarse, como dos pesos en una balanza de un lado o del otro. Es lo mismo que sucede en ese juego en el que dos equipos tensan una cuerda con un pañuelo anudado en el centro y dibujan una línea fronteriza que ninguno de los dos equipos debe pasar si no quiere perder el juego. En el drama, el conflicto debe nacer de una tensión de intereses entre los personajes. La esencia del conflicto es que A quiere algo y B se lo niega, protagonismo y antagonismo. Siempre llevados por una urgencia que hará más intenso el momento dramático. Es como si en el juego de la cuerda, en vez de dibujar una línea tenemos un charco de barro. Habrá más intensidad en el conflicto porque nadie querrá caer sobre el fango.

Esto no es nuevo, el conflicto nace desde el momento en el que el actor (hipócrates) se enfrenta al coro en el teatro griego, sin embargo, si en el teatro actual el conflicto no es molesto para los personajes e incómodo para el espectador, entonces el teatro se vuelve mortal e indolente (ya lo ha explicado Peter Brook en numerosos ensayos); se convierte en complaciente espectáculo vulgar y escaso de inventiva, tradicional e intrascendente. No es capaz de trascendir más allá de la propia representación. No será capaz de conseguir la inmortalidad.

Bastante más que El club de los poetas muertos

2009-10-18T04:26:00.006+02:00

El talento teatral de José María Pou es incuestionable. Lo fue durante años en su faceta de actor y desde 2005, con el montaje de La cabra de Edward Albee lo es también como director. Los chicos de historia lo confirma como un excelente director de escena, porque la obra posee un tempo y una frescura perfecta, sin duda gracias a la interpretación de "los chicos", que permiten al espectador seguir atento durante toda la representación. La escenografía (de Paco Azorín) es claramente funcional pero bastante ingeniosa y resolutiva, con pocos elementos: ladrillos vistos, grandes ventanales, casilleros, pupitres y sillas y un piano, permite un juego versátil en toda el espacio escénico apoyado con un diseño de iluminación impecable de Pep Gàmiz, justificando el origen natural de la luz en las vidrieras, en las claraboyas, las puertas abiertas y los pasillos.

El plantel de actores es de una gran calidad, destacando a Pou y a Jordi Andújar, y siguiendo con el grupo de chicos que forma tumulto de voces y acciones bien coordinado y que regalan un desenfado natural y grato. También es de agradecer la entrega profesional que han puesto a pesar de la hora vespertina de la representación (las 6 de la tarde).

La obra de Alan Bennett, un prolífico autor británico que, gracias al éxito de esta pieza, en 2006 escribió el guión para la película, tiene un humor delicado, inteligente, no es una comedia de gestos ni de situación, es una comedia culta, donde el humor se esconde tras diálogos ingeniosos y perspicaces que dan ritmo a la multitud de personajes (8 chicos, 3 profesores y un director).

La primera parte de la obra, donde se desarrolla la relación tan peculiar entre Héctor, el profesor de literatura, y los adolescentes, no puede evitar ser comparada con la relación que tenía John Keating (Robin Williams) en El club de los poetas muertos. Sin embargo la obra de Bennett posee elementos más profundos que obligan a la reflexión y actualizar los problemas de la educación que tenían entonces con los que tenemos ahora. Es un homenaje honesta a la enseñanza, con sus virtudes y sus miserias, pero la segunda parte no tiene la misma fuerza dramática que la primera. Un problema del texto no de la representación. Pierde fuerza porque lo más importante para el protagonista ya ha sucedido y trata de buscar soluciones a los secundarios olvidando al principal. Claro que esto es una apreciación personal, una cuestión de gusto.

En cualquier caso, es una obra muy recomendable, y es una lástima que ningún autor español haya acometido una obra de este tipo que nos sirva para analizar la educación en nuestra sociedad, porque la reflexión que hace Bennett sobre la enseñanza está muy localizada en la sociedad británica y eso, aunque plantea dilemas universales, no deja de suceder en un contexto concreto y particular.

Hablar de Pou es hablar de fiabilidad, verlo en escena actuando es un placer, verlo dirigir, comienza a serlo también.

Los chicos de historia.

de Alan Bennett

Dirección: José María Pou

Reparto: José María Pou, Josep Minguell, Maife Gil, Jordi Andújar, Javier Beltrán, Alberto Carbó, Oriol Casals, Alberto Díaz, Xavi Francès, Llorenç González, Juan Vázquez, Ferran Vilajosana

Escenografía: Paco Azorín

Iluminación: Pep Gàmiz

Dossier obra.

Crítica en El País.

Orígenes

2009-10-18T03:07:00.005+02:00

"Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro le observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral."

Peter Brook

Orígenes del teatro.

El teatro nace de los rituales, de la voluntad festiva de un pueblo que quiere celebrar el rito de la fertilidad y del vino. Los primeros espectáculos, que tienen mucho que ver con los pasacalles, las cabalgatas y las romerías, se celebraban en honor a Dionisio (dios del vino y de la fertilidad).

El término comedia viene del griego κωμῳδία, formada de κωμός (komos = desfile) y ᾠδή (oide = canción), o sea "Canción del desfile". En estos desfiles se improvisaban poemas festivos denominados ditirambos, canciones populares que celebraban la embriaguez .

La palabra "tragedia", por su parte, proviene del griego τραγῳδία (tragodia) compuesta de τράγος (tragos = chivo) y ᾠδή (oide = oda, canción), o sea "Canción del chivo".

Los griegos celebraban fiestas dedicadas a Dionisio y en estas fiestas se solía sacrificar un chivo. Parece ser que el término tragedia hace referencia al grito del cabrito al ser degollado en la ofrenda a Dionisio.

El coro, inicialmente, estaba formado por los sátiros que, junto con las ménades o bacantes, formaban el cortejo dionisiaco, que acompañaba a dioses como Dionisio o Pan vagando por los bosques y las aldeas.

Los sátiros eran seres a los que se les relacionaba con los excesos sexuales y en muchas ocasiones se representaban en las vasijas con evidentes erecciones. Poseen cuernos y cola de cabrito y en ocasiones son confundidos con los faunos.

Las ménades o bacantes, como los sátiros, eran las mujeres del cortejo dionisiaco que celebraban el deseo y el éxtasis. El significado de ménades podría definirse como “las que desvarían” porque se las conocía por su salvajismo extremo (intoxicación, automutilación y violencia).

Las primeras composiciones consideradas trágicas se atribuyen a Tepsis, poeta griego que viajaba de pueblo en pueblo (como más tarde harían los cómicos de la legua). Este poeta griego introduce el ditirambo en Ática. Sus representaciones iban acompañadas de flauta y un coro formado por 50 personas. Es el primero en introducir un personaje denominado hipocrites (actor) que dialoga con el coro. Es el origen del diálogo dramático. Además se le considera el primero en utilizar la máscara en teatro.

Fuente de referencias etimológicas: http://etimologias.dechile.net